MUSICA Y MUSICOS

Wes Montgomery

2011-12-13T21:58:00.007+01:00

ROAD SONG, originally issued as A&M SP 3012, CTI series, was recorded a month before Wes Montgomery died of a heart attack on June 15, 1968 at age 45 and relesed posthumously. The title song and "Serene," named in honor of his wife, were written by Wes. Other outstanding tracks are "Scarborough Fair" and "Where Have All the Flowers Gone?." Superb guitar playing, as always. Listening to this makes one wonder what more he would have accomplished had he not died so young. It's hard to name all the artists he's influenced. As the liner notes state: "This is the last one. Be glad we have it. If this isn't jazz, then what is? Just because he didn't play the same old standards (pop song from the 30's and 40's) critics gave him hell. I'm an organ player with a love for guitar and I know that the way he play's the octave strums so clean he is the master of this style. The tunes are very touching and short. Some you may know ( Yesterday, Where Have All the Flowers Gone). The originals are clasic (Road Song, Serene). The album is complemented with strings and some tunes are in the baroque style. Don Sebesky did the conducting and arranging. Not to mention Herbie Hancock, Ron Carter, Grady Tate and a host of other great musicians support Wes in the most classy manner. The album is about 30 min. long. but it says a life time in such a short time. By J.B Bent

Madrugada

2011-12-12T03:29:00.007+01:00

Industrial Silence is the debut album of the Norwegian alternative rock band Madrugada in 1999. The best known track of the album is the ballad Vocal.From the album also exist a limited edition including 2 discs, and a remastered Deluxe edition of the album was released on July 5, 2010. Disc 2 of the remastered Deluxe edition contains 4 previously unrelased demo recordings, and also has tracks from all their early EPs. The remastering was done by Greg Calbi at Sterling Sound in New York.Madrugada was a Norwegian rock band formed in the town of Stokmarknes 1992. The band members included Frode Jacobsen (bass), Sivert Høyem (vocals) and Robert Burås (guitar). After the death of Burås on July 12, 2007 Høyem and Jacobsen decided to finish recording their latest album. The album, entitled Madrugada, was released on January 21, 2008. After the release of the album the band announced they would split after one last tour. They performed their last ever concert on November 15, 2008 at Oslo Spektrum in Oslo-Norway.Industrial Silence is unusually strong and even for a debut album. This, of course, has to do with the fact that they already had been playing together for six years before its release. It kicks off with the majestic "Vocal," with its dense and thick guitar sound and singer Sivert Høyem's distinctive crooning on top of it all. What's really impressive on this album, besides the quality of the songs, is guitarist Robert Burås' creative and versatile playing. From Jim´s World of Music.

Nils Petter Molvær

2011-12-10T01:17:00.006+01:00

Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.
Molvaer's new album "Baboon Moon" marks the self-assured new start of a musician who has already travelled a long way. He began his career in the bands of Jon Christensen and Arild Andersen, but gradually broke out more and more beyond the confines of jazz, starting with his 1997 album "Khmer". His musical journey took him through a wide variety of styles, and he tried out different degrees of abstraction along the way. He experimented together with musicians like Bill Laswell, Sidsel Endresen and Eivind Aarset, and surrounded himself with DJ's and VJ's, but he also worked on his own. His language of expression remained vivid throughout. On his last album, "Hamada", he switched to and fro between very harmonious and extremely brutal passages, while on "Baboon Moon" these two opposite poles blend into a unified whole again.In order to arrive at this point, he formed a new band. His two fellow players on "Baboon Moon" have come to jazz 'through the back door', as it were. Stian Westerhus is one of Europe's most innovative, and in the meantime most sought-after guitarists. A former member of the post-rock band Jaga Jazzist, he runs the industrial-improv duo Monolithic together with Motorpsycho drummer Kenneth Kapstad. For Westerhus, the electric guitar is not just an instrument: it's a whole orchestra, a creative museum of physical and spiritual possibilities for producing electronic sounds. He manipulates his instrument with every conceivable material and effect, and even produces indefinable sounds by shouting into the strings. Erland Dahlen has played his way into the hearts of alternative-rock fans as drummer of the Norwegian psychoblues band Madrugada. He contributed this deep and earthy but also progressive blues feeling to Eivind Aarset's Sonic Codex Orchestra first of all, and now he brings it to Molvaer's trio.From nilspettermolvaer.info

Gustavo Santaolalla

2011-11-29T04:04:00.006+01:00

El compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla, sorprendía a la crítica musical con “Ronroco”, un trabajo exquisito y acaso su obra cumbre hasta el momento. La sorpresa residía en la eficacia con la que abordaba la música tradicional argentina desde una óptica contemporánea que la emparentaba con lo que se ha dado en llamar World Music.
Santaolalla se acerca al folklore de su tierra (una constante en su extensa carrera) de una manera natural, pero –y he aquí su gran acierto– tomando los ritmos autóctonos de la “Argentina profunda” siempre como un punto de partida y nunca como un fin en sí mismo, algo de lo que deberían tomar nota muchos “puristas” a ambos lados del Atlántico.
Siendo básicamente un músico de rock y teniendo su base de operaciones en Los Ángeles, (...) Santaolalla es un músico atento a lo que ocurre a su alrededor y permeable a las influencias más variopintas, que pueden abarcar desde música de África o Japón hasta Europa del Este, así como, por supuesto y en mayor medida, Latinoamérica.
Conceptualmente hablando, "Ronroco" es una obra minimalista, en la que el trabajo de producción (que lo hay, y mucho), nunca sale a la superficie de manera obvia. Santaolalla construye un andamiaje sonoro prácticamente imperceptible sobre el que se deslizan sutiles arpegios que se superponen unos a otros, creando texturas de una belleza realmente conmovedora.
La interpretación, lejos de cualquier alarde de virtuosismo, funciona a la perfección con la idea que este talentoso multiinstrumentista nos quiere transmitir. Charango, ronroco y maulincho, todos ellos instrumentos de cuerda autóctonos de Argentina, Perú, Bolivia y Chile son los encargados de dar el “color” general a la obra, mientras que muy medidas intervenciones de flauta, armónica, guitarra y guitarrón, enfatizan y realzan momentos puntuales a lo largo de los más de 40 minutos de placer que nos depara “Ronroco”. Santaolalla mismo es el encargado de ejecutar todos estos instrumentos, mientras que su socio musical desde hace más de 20 años, Anibal Kerpel, aporta lo suyo en vibráfono y melódica, y el legendario charanguista Jaime Torres hace una breve pero contundente intervención en uno de los 12 tracks del cd.
(...) En síntesis (una palabra que bien sirve para definir el espíritu de esta obra en su totalidad), escuchar estas canciones es adentrarse en el paisaje que las ha inspirado, como si ese mismo paisaje generase la música, como si el viento del Altiplano del árido norte argentino nos estuviese susurrando melodías ancestrales al oído.De elsoundsystem.blogspot.com

Surface of Eceon

2011-07-04T18:44:00.003+02:00

This space-y rock group features Adam Forkner of Yume Bitsu and Dick Baldwin, Daron Gardner and Aaron Snow of Landing. They are propelled by the Neu-ish drumming of Phil Jenkins. I was introduced to them — as I was with Yume Bitsu — by Ian. Their sound can be boiled down to wah wah and loud amps, but that would be an insult to all the other amazing aspects of their songs. The interplay between different tones (the various levels of distortion, fuzz and crystalline clean guitar parts) are what truly enrich this album. The King Beneath The Mountain is a rolling, epic druggy passages blanketed in sheets of white noise. The best part of any Surface Of Eceon record (by the way, the spelling can change from Eceon to Eceyon or Ecyeon on a whim) is the mythology behind the title and songs. There are stories of planets ruled by grasshoppers. On their second album, Dragyn, the band members go by pseduonyms like “Lyfeforce” and “Eceyonic Man.” I guess what I’m saying is, you should probably to bring yourself to a more highly enlightened state before you “enter the vessyl of sound” and voyage to the outer reaches of Dryystn, to the surface of Eceon.

And if you like these albums, I highly recommend anything Yume Bitsu or Landing ever recorded, but most especially the former’s Auspicious Winds and the latter’s Oceanless.

Ludovico Einaudi & Ballaké Sissoko

2011-05-03T19:34:00.004+02:00

Diário Malí es el título que el pianista italiano Ludovico Einaudi, ha dado a esta grabación realizada junto al músico africano Ballaké Sissoko. El disco está formado por diez temas, compuestos mano a mano, en el que el piano de Einaudi se mezcla con la kora(arpa africana de 21 cuerdas)de Sissoko, creando un disco pausado y reposado, donde la armonía y el encanto se hacen presentes en todas las composiciones. El disco combina a la perfección el neoclasicismo(tan presente en la música de Einaudi), con los ritmos del africa occidental. Un disco de músicas del mundo muy agradable. El álbum fue producido por la Ponderosa Music & Art en el año 2003.

MobyDick

2011-04-28T19:18:00.007+02:00

Un disco fantástico donde se combinan a la perfección infinidad de géneros, como el folk,el rock progresivo y la música acustica. MobyDick es el pseudónimo de Eneko, un cantante y compositor bilbaino el cual es el encargado de dar vida a este album, con versiones de la Velvet Underground y con temas propios. Tiene una voz única y un toque de guitarra íntimo y mágico. And she becames a Gods Friend es el título de esta su ópera prima.Me gustaría destacar temas como su versión de Venus in Furs o Find the blue key,meet the wizard. Esperemos que siga en sus siguientes álbums el mismo camino. El disco es una autoproducción del mismo músico, grabada en el 2009.

Pink Floyd

2011-03-29T23:48:00.003+02:00

The Wall es el undécimo de la banda británica de rock, Pink Floyd publicado en 1979. Se grabó entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Erzin y de los miembros de Pink Floyd David Gilmour y Roger Waters. Este doble album nos retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada Pink, basado en su mayoría de las vivencias del antiguo lider de la banda Syd Barret, convirtiéndolo así en una especie de alter ego. Descrito por Roger Waters,Pink se reprime debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreprotección materna, la opresión de la educación británica, los fracasos sentimentales, la presión de ser una figura famosa en el mundo de la música, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, etc., son convertidos por él en "ladrillos de un muro" que lo aísla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, pero que le conduce a un mundo de fantasía autodestructiva. El disco esconde varios de los mejores temas de la historia del rock, con unos solos de guitarra que ponen los pelos de punta. The Wall es sin lugar a duda uno de los mejores albums de rock de todos los tiempos.

Dino Saluzzi

2011-03-29T22:13:00.005+02:00

Andina es el título de este precioso trabajo en solitario, del sensacional bandoneonista argentino Dino Saluzzi. Este disco reúne paisajes sonoros, en los que se pueden visualizar a la perfección bellísimas estampas andinas y de tierra del fuego. Saluzzi y su bandoneón , transmiten a la perfección y con una genialidad sublime todo lo que la música debe reflejar ,siendo este un disco intimo, el cual merece la pena ser escuchado mas de una vez. Temas como Transmutation, Waltz for Verena o Memories muestran a un Saluzzi en estado de gracia.Si no fuera poco, Saluzzi añade improvisaciones de flauta en temas como Andina o My Father,montada a posteriori en el estudio. El disco fue grabado en el año 1988 para la ECM.

John Surman & Chick Corea

2011-03-29T21:52:00.004+02:00

No voy a decir que este disco tenga una audición fácil, quien jamás haya investigado en el jazz de vanguardia o directamente en experimentos musicales cercanos a la música de Messiaen o Berio entre otros, no encontrarán el mas mínimo atractivo a este álbum. Bass is es un experimento musical que un disco de jazz al uso. En este trabajo tanto el prestigioso saxofonista John Surman y el pianista Chick Corea, reunieron a cuatro de los mejores bajistas del momento para crear un cuarteto de cuerdas de lo mas peculiar, siendo elegidos el grandísimo Dave Holland, Peter Warren,Glen Moore y Jaime Faunt. Todos ellos interpretan las extrañas composiciones de Corea y Surman entre las percusiones de Barry Altshul, Steve Hauss y Stu Martin. El disco es extraño, complejo y diferente a todo el repertorio de los músicos mencionados. No es un disco de jazz al uso, simplemente es una nueva apuesta por crear una música diferente. El disco está producido por la casa italiana Enja.

Enrique Morente

2011-03-14T23:34:00.005+01:00

Yo no sé si Lorca pensó en alguna música cuando escribió sus poemas, pero lo cierto es que su poesía está llena de sonidos”, sostiene Morente acerca de la poesía lorquiana. Y ello le llevó a forjar un nuevo trabajo sobre la obra del poeta granadino, que ya abordó en el Omega y en Lorca. Basado en Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, el nuevo album está editado por el Patronato Cultural Federico García Lorca, al que ha sido donado por el cantaor en un acto celebrado en la Casa Museo de Fuente Vaqueros. El disco es la gran joya de despedida del maestro Morente, hacía mucho que no me emocionaba escuchando música. Este album lo ha conseguido, con el mismo empuje que el Pablo de Málaga. Morente hace todo en este album, los arreglos, guitarra, precusiones y electrónica, ofreciendo una joya de 15 minutos de duración. El disco se compone de tres temas La cogida y la muerte, Alma Ausente seguidos de un último tema en el que Morente muestra su cante en total soledad. Enrique Morente ha podido dejar uno de los mayores legados musicales de la historia del S.XX y este álbum cierra su obra dejando un legado musical abrumador.El disco fue donado por Morente al Patronato Federico García-Lorca en el 2010. Hasta siempre Maestro.

Jesper Bodilsen

2011-03-13T20:29:00.004+01:00

Short stories for dreamers, es ni más ni menos que el título que el gran contrabajista nórdico ha puesto a este enorme trabajo. El título no solo sugiere que en álbum encontraremos temas cargados de profundidad,serenidad y reflexión ,sino que además lo afirma. Desde el primer tema caetano, donde sobre la estructura creada por Bodilsen se crea un círculo narrativo entre el vibráfono de Severi Pyysalo y la guitarra del siempre magnífico Ulf Wakenius, dando muestras de que esto, va en camino de convertirse en un disco asombroso. En este álbum no solo sorprende la grandeza de Bodilsen como lider de agrupación, sino que además el resto de sus compañeros están de verdadero lujo. Empezando con Ulf Wakenius a la guitarra.

Desde su notoriedad como sideman de confianza de Oscar Peterson, junto a Orsted-Pedersen, no ha dejado de sorprender. Tanto los trabajos para la casa ACT pasando por la Sttitel. En este disco, podemos escuchar algo mucho mas grande y este trabajo no defraudará a ninguno de sus seguidores. Junto a ellos unos genios, como el vibrafonísta y percusionista Severi Pyysalo y el trompetista Peter Asplund. El disco por completo es un joya, pero destacaría dos temas como A new day o One of a Kind. El trabajo fue producido por la danesa Stunt Records en el año 2009.

Pat Martino

2011-03-12T21:08:00.006+01:00

Podría definir este disco de Pat Martino como un album de busqueda, desde el jazz hacia el blues. Se que esta afirmación no es del todo ortodoxa, pero creo que con ella todo el mundo se puede hacer una pequeña idea de la identidad de este album. Martino saca del cajón una versión de su Gibson, añadiendole cuatro cuerdas mas. El disco comienza con quizás el tema mas duro de escuchar de todo el album como es Blackjack, en el que se mezcla el free jazz con el hard bop creando unas velocidades de vértigo, y unos fraseos de guitarra de infarto. El album se va haciendo mas accesible a medida que los temas van pasando, descubriendo en el el buen hacer no solo de Martino, sino de todas las personas que le acompañan. Debo de resaltar en este disco la importancia de Thyrone Brown al bajo, sin el cual este disco no tendría ni pies ni cabeza. Creo que en temas como Oleo, la velocidad de Martino me superó y que decidí refugiarme en el bajo de Brown a la hora de escucharlo. A su vez a Brown y Martino les acompañan Eddie Green al piano, Sherman Ferguson a la batería y Eric Kloss en el segundo tema al saxo tenor. Este disco fue grabado el 9 de marzo de 1970 para la casa Prestige.

Stefano Bollani Jesper Bodilsen & Morten Lund

2011-03-12T20:42:00.002+01:00

Gleda es el título de este sensacional disco de Stefano Bollani. En este trabajo, Bollani se sumerge en la tradición del jazz nórdico, creando unas atmósferas suaves y unos espacios armónicos que reciben influencia directa del jazz báltico. Un disco sensacional que no defraudará a nadie y que incluso no molestará a los que por cuestiones de espacio tienen que oir a través de las paredes la música que escuchamos. El disco se va calentando poco a poco, a partir del segundo tema y tras los fraseos de bajo de Jesper Bodilsen, el disco va adquiriendo matices de música de club en vivo(siendo este disco un album de estudio), recordandome por momentos a trabajos de Charlie Haden junto a Gonzalo Rubalcaba. Pero es quizás la aparición del veterano Morten Lund, lo que envuelve al álbum en unas melodias mágicas cargadas de buen gusto. El disco fue grabado para la danesa Focus Recordings en el año 2004.

Neil Young

2011-03-12T14:35:00.005+01:00

Hay opiniones dispares sobre este último trabajo de Neil Young. Muchos atacan que él solo, se haya atrevido a concebir un álbum en solitario, otros alaban la inmensa calidad del mismo. Por mi parte solo puedo decir una cosa, me ha encantado este disco. Desde siempre he tenido una profunda admiración a la guitarra de Neil Youn, concretamente a su ya famosa y conocida Gibson Les Paul "Old Black". Es su principal guitarra eléctrica y fue utilizada en la mayoría de sus álbumes. En 1972, fue instalada una minihumbucker de una Gibson Firebird, reemplazando a la P-90 habitual de las guitarras Les Paul de la época. La guitarra incluye también un mini-switch que permite mandar la señal del mini-humbucker directamente al amplificador. La guitarra se hizo mas famosa todavía ,gracias a ser la protagonista de la banda sonora de la enorme película de Jim Jarmusch, Dead Man. Este disco me recuerda a ese sonido roto y distorsionado,tan típico de la música de Neil Young,a las cuales va añadiendo unas letras que consiguen conmoverme. Temas del disco como Love and War, varían el discurso adentrandose en el camino acústico de la mano de una Martin D-28, perteneciente a Hank Williams. El trabajo desde la primera a la última composición me parece magnífico, desenfadado y sin pretensiones. Digno heredero de su tradición musical .Recomiendo este trabajo a todos los amantes y conocedores de la obra de Neil Young. El disco fue grabado entre enero y julio del 2010, bajo la tutela de Daniel Lalois para la Reprise Records.

John Scofield

2011-03-11T01:00:00.005+01:00

Un álbum de John Scofield firmado en el año 1994. El estilo de este disco es un frío acercamiento al Funk desde el jazz de Scofield, los fraseos de nuevo son de vértigo y le acompaña su equipo de incondicionales de esos años. El disco comienza a calentarse a partir del segundo tema y gracias a la gran entrada al piano del gran Larry Goldings. Este disco recibe influencias claras del post bop de los años 80, She's So Lucky o Whip The Mule fueron piezas clave para la formación Pastorius/Scofield y aquí Scofield rinde tributo a su amigo y colega. El disco fue grabado en la ciudad de Nueva York,por partes separadas a lo largo del año 1993 para ser presentado en sociedad por parte de la Blue Note el año próximo. A la guitarra de Scofield le acompaña,Eddie Harris al saxo tenor, Larry Goldings al piano, Dennis Irwin al bajo, Bill Stewart a la batería y Don Alias a las percusiones.

Stafford James

2011-03-10T21:58:00.002+01:00

Este es el segundo álbum como líder de Stafford James, antes de esta joya oculta grabo una tirada de 1000 lps en la misma casa donde grabó este segundo disco, para la desaparecida productora italiana Red Records. Este album fue un trampolín que ayudó a James a ocupar un hueco en el jazz de los años 70. Añadió composiciones del Frank Strozier como Twelve for Four, Yellow Days e Impressions siendo esta última pieza un sentido homenaje de toda la agrupación a John Coltrane. En el disco se agrupan James al contrabajo, Strozier al saxo alto, el sensacional Harold Mabern al piano y Louis Hayes a la batería. Este disco es una joya prácticamente imposible de encontrar en cd, grabado en Italia en el año 1978.

Dave Holland & Pepe Habichuela

2011-03-10T21:52:00.008+01:00

Este disco es el resultado de un encuentro, que mas de un admirador de ambos genios llevábamos mucho tiempo esperando . El disco se muestra mas cercano al flamenco que al jazz, pero siempre dejando a Dave Holland ahondar en su música. Temas como El ritmo me lleva, nos acercan al disco de Habichuela junto a los Bollywood Strings, destacando los acompañamientos de bajo de Holland a lo largo del tema. El disco me resulta mucho mas cercano a la música de Habichuela que a la de Holland en un comienzo, pero solo hay que esperar a las entradas y fraseos de Holland para darse uno cuenta de que su carácter va siempre impreso, a lo largo de todas y cada una de las composiciones.La familia Carmona, se presenta casi al completo acompañando a los dos maestros; Josemi y Carlos Carmona a la guitarra y Juan Carmona e Israel Porrina a las percusiones. Un trabajo magnífico grabado en el 2010 para la casa Emarcy.

Tim Hagans

2011-03-10T14:28:00.004+01:00

Alone Together reúne al trompetista Tim Hagans con el trío de muchos años del pianista Marc Copland para la segunda grabación de Hagans en el sello Pirouet. Los veteranos colaboradores del cuarteto anterior de Beautifull Lilly (Pirouet, 2005), destacaron una formación similar con el bajista Drew Gress y el baterista Bill Stewart; esta sesión incluye al baterista regular Jochen Rückert de Copland en lugar de Stewart. Donde "Beautiful Lily" contuvo un número de originales de Hagans, la mayoría de las melodías en Alone Together son escritas por Copland, con un puñado de estándares para redondear el programa. Referencias Musica que Cuelga. Un disco grabado en el 2008 para la casa Pirquet.

Art Blakey & The Jazz Messengers

2011-03-10T14:16:00.003+01:00

Un disco extraído de las mismas y ya famosas grabaciones, como Live in Tunisia grabadas en el año 1960 pero con una aparición estelar. La del maestro Lee Morgan. El disco nos aleja a un sonido que cada vez se acerca mas al Hard Bop, manteniendo una frescura que va en aumento tema a tema, presentándonos composiciones de Wayne Shorter mas una composición del mismo Shorter como es la pieza Johnny's Blue . El disco es una joya representativa de aquellos años, en la que intervinieron maestros del jazz, como Bobby Timmons al piano y los y mencionados;Wayne Shorter al saxo tenor, Lee Morgan a la trompeta y Art Blakey a la batería. El disco fue grabado en los Van Der Gelder Studios en el año 1960 para la Blue Note.

Pierrick Pedron

2011-03-10T14:04:00.004+01:00

Los críticos franceses tienen razón: Deep in a Dream es una pequeña joya trabajada por un foráneo directamente en el epicentro del jazz. Si algo, Pedron juega el papel de un jazzman americano de los años '50 tan satisfactoriamente, que uno anhela, quizás injustamente, por un rayo del patrimonio musical del músico francés de ojos brillantes: el vástago de una familia musical de Bretaña, enseñada en valses Bretones tradicionales, Pedron se haría, como mucha de su cohorte, un entusiasta de Pink Floyd, pero hay escasas pruebas de estos detalles biográficos en la música en este disco. ¿(Descubro algunos elementos bretones en "Waltz for a King", el tributo de tiempo 3/4 de Pedron al saxofonista alto inglés Peter King? Probablemente no.) No importa, un logro sumamente gratificante. En el disco aparecen Mulgrew Miller al piano, Thomas Bramerie al contrabajo y Lewis Nash a la batería. Una reseña de musica que cuelga. El disco fue grabado para la Plus Loin Music en el año 2006.

Pat Martino

2010-12-16T19:13:00.004+01:00

Consciousness es el duodécimo disco del guitarrista Pat Martino, en este disco Martino se acerca al temperamento de John Coltrane,donde nos adentra desde el swing y el bop a una música y a un virtuosismo grandioso. Temas de acercamiento,al puro bop como Impressions,con unos fraseos ágiles y veloces,o una incursion introspectiva bellísima con temas como Passata on guitar. Arropado a su vez con sus habituales,Thyrone Brown al bajo,Eddie Green al piano y Sherman Ferguson a la batería. El disco es una pequeña joya editada por la casa Muse.

Carlo Gestualdo

2010-12-09T21:38:00.004+01:00

Carlo Gestualdo fue probablemente una de las figuras mas notorias de la música del renacimiento.Las excelentes relaciones de su familia con la Iglesia hicieron que su obra no sufriera ningún tipo de censura. Sus composiciones se salen de los cánones de la época: Gesualdo no tenía que agradar a nadie, escribía para sí mismo, el resultado fue una obra original, extraña y sorprendente en el Renacimiento. Fue así de extraña por su uso constante de la disonancia y del cromatismo, algo impensable para la época que veía en su seno el inicio de una protoarmonía tonal que en el barroco se desarrollará, como con el tratado de armonía de Rameau del año 1722.Por ello, Gesualdo es considerado un adelantado de su época. En este album editado por Naxos en el año 2004,se nos acerca a la música sacra de Gestualdo,interpretada por la Oxford Camerata bajo la batuta de Jeremy Summerly. Un excelente disco de música clásica.

Vic Chesnutt

2010-12-09T16:19:00.003+01:00

North Star Deserter,sería el nombre que el cantante,compositor y guitarrista Vic Chesnutt diera a esta maravillosa colaboración junto al guitarrista y hombre fuerte de la formación Fugazi,y junto a los componentes de la formación canadiense de Post-Rock A Silver Mt.Zion. Si la voz y las composiciones de Chesnutt han creado conmoción en la escena musical contemporánea,este disco tampoco se queda muy lejos de los trabajos acusticos de Chesnutt. La música de este músico irrepetible hace llegar a unos estados,donde la nostalgia,la melancolía,la ira y la plegaría se transforman en una sola palabra,música. Música creada desde el corazón,musica que no cree en limitaciones físicas y que desnudan el alma. Desde la silla de ruedas en la que se vió,confinado desde que tenía 18 años,Chesnutt lanzó al mundo desde sus composiciones sus mensajes,siendo este disco uno de los mas maravillosos legados músicales del panorama musical de los últimos veinte años. Con una parálisis casi total y unos dolores fisicos,que cuando no disponía de su medicación llegaban al delírio,este maravilloso compositor realizó temas que se presentan en este album como Everything I Say ,(el cual se puede ver online en uno de sus últimas apariciones en vivo) o las maravillosas You Never Alone o Over. El disco fue grabado en el año 2007 para la Constellation Records. Un disco tremendo.

Anouar Brahem

2010-12-05T18:08:00.004+01:00

The Astounding eyes of Rita, es el último trabajo para la ECM del maestro laudista,Anouar Brahem. En este disco vuelve a sorprendernos con su personal estílo y sonido,volviendo a fusionar el world músic con la música neoclásica. En este disco adopta al magnífico clarinetista Klaus Gesing(un clásico ya dentro del sello),a Björn Meyer y al imprescindible Khaled Yasine a la darbouka. El disco nos acerca a albums de Brahem como Le Voyage de Sahar o Le pas du la chat noir. El disco fue grabado en el año 2009,siendo esta una de las últimas producciones del desaparecido Manfred Eicher.

Charlie Haden Paul Motian & Geri Allen

2010-11-29T23:18:00.003+01:00

Después de unos meses de inactividad, pido perdón a los seguidores del blog,por haberlo tenido tan desatendido. Puede que sea Charlie Haden, uno de los contrabajistas del momento que mas me gusten, en este discazo grabado en vivo,el 1 de Julio de 1989 en el Festival de Jazz de Montreal,se reunieron tres magos. Por un lado al piano,el maestro Geri Allen y en la batería el maestro Paul Motian. Cerca de una hora y media de autentica genialidad. Todo se empieza a averiguar,con el arranque Blues in Motian,con una sensacional combinación de fraseos,entre Allen y Haden. La velocidad,de Allen ,en la deconstrucción se hace notable en temas como Fiasco y For John Malachi,introduciendo al jazzero mas exigente en un auténtico huracán de sonido. El disco es una pequeña muestra de lo que se podía escuchar en uno de los mejores festivales de jazz de esos años.Fue grabado pora la casa Verve en ese mismo año,salió a la venta en LP en el 1990.

Hildur Gudnadóttir

2010-08-11T14:08:00.004+02:00

Para romper con el post rock de esta semana, presento un disco que me ha conmovido. Se trata de un album de la compositora y cellista islandésa Hildur Gudnadóttir. En este album se nos presentan unos temas tristes melancólicos e incluso oscuros. Donde Hildur Gudnadottir se mueve con su cello,por parajes poblados de niebla y de soledad. Hildur Gudnadóttir no es una simple compositora al uso, olvida la mera lectura y escritura musical para adentrarse en la improvisación en cada uno de sus temas,dejando así a la imaginación volar por ese cielo poblado de nieblas y de ruinas. En el disco en los temas 7 y 10 aparece la voz del clarinetista Guðni Franzson dando un mayor empaque a las composiciones. En el corte adicional también aparece el aporte del bajista Skúli Sverrisson,así como en el segundo corte el órgano de Jóhann Jóhannsson. El disco fue grabado entre Reykjavík y Berlín en el año 2008. Un disco de música neoclásica precioso.

September Malevolence

2010-08-09T00:44:00.002+02:00

Otra banda de post rock nacida en el frío. September Malevolence es del mismo modo que EF,una agrupación nacida en la ciudad sueca de Goteborg. El sonido de September Malevolence puede que sea un poco mas oscuro que EF pero continuando con unos rifs templados,dotados de unas letras y unas melodías ligeras,no tan potentes como Daturah,Isis o Red Sparrowes. Digamos que la música de esta banda queda bien en cualquier momento, alejada de los rifs agresivos y violentos predominantes en el post rock. En Tommorrow We'll Wonder Where This Generation It's Priorities From, que así se llama este su segundo album de estudio,destaca esa sobriedad sello de esta banda,presentandonos siete temas de los cuales el último,titulado Nobody Noticed the Fire es donde sacan su capacidad para el jamming. En el corte tercero Distance-Closure es donde podemos escuchar el tema mas cañero del conjunto sueco. Un buen disco de Post Rock,grabado en el año 2006.

Joy Wants Eternity

2010-08-08T16:18:00.002+02:00

Otra banda mas para esta semana dedicada al Post Rock. Joy Wants Eternity es una agrupación nacida en Seattle a finales del año 2006. Su primer y último disco es este You Who Pretend to Sleep, ya que la banda no ha vuelto a sacar nada desde el año 2007 a parte del LP editado ese mismo año con el nombre Must You Smash Your Ears Before You Learn to Listen with Your Eyes. El sonido de esta banda es una mezcla sutíl y suave ,que solo abandona cuando entran los potentes y melódicos rifs. A diferencia de la experimentación de grupos ya antes comentados como Tulsa Drone, Joy Whants Eternity deja en su disco una música con mensaje y con paisaje. Dando en cada corte sentimiento y fuerza a partes iguales. Es una pena que bandas como esta,que prometian un futuro potente dentro del campo del post rock,se desintegren casi sin haber nacido. Aún así este disco ya está editado para que todo el mundo pueda disfrutarlo.

Daturah

2010-08-08T14:36:00.002+02:00

Sin miedo a la enorme potencia instrumental de esta banda de post rock germana,me adentro sin vacilar, en este su segundo disco de estudio. Daturah sorprende desde los primeros acordes,introduciendo frases de gran contenido,en los primeros segundos del disco. A partir de ahí un vertiginiso tunel de sonido nos sorprende,con unos rifs y unos sonidos de una velocidad de vértigo, a su vez la capacidad de la banda para la jammings nos acerca a bandas de post rock,ya reconocidas como Godspeed you!Black Emperor, con unas secuencias de sonido que embriagan y ensordecen al valiente que se adentre en su tenebroso universo. Daturah sorprenderá a los amantes del post rock,por su violencia en los rifs,por su magnífica espacialidad,por su altísima calidad técnica y por la arriesgama apuesta sonora que ofrece esta nueva agrupación de Frankfurt. En su primer disco llamado también Daturah la banda sorprendió a la crítica,ofreciendo un EP con tres cortes que superaban los 16minutos cada uno,en este album sacado en el año 2008,Daturah nos presenta un album cargado de 5 cortes donde los amantes de los rifs duros y de los espacios de sonido densos,podrán disfrutar de lo lindo.Un discazo de post rock.

EF

2010-08-08T02:54:00.003+02:00

Continuamos con esta semana dedicada por entero al Post Rock, con una banda magnífica de Suecia llamada Ef. Con unos rifs un poco mas reposados que otras bandas(sin dejar de ser estos dignos de mención),no dejan de sorprender,sobretodo con el uso de violas y en determinados momentos algún fragmento cantado,y es ahí donde reside la fuerza de esta formación. El grupo de Göteborg, ha dejado huella en este difícil estilo musical y se ha forjado a si mismo y a fuerza de empeño,desde este disco llamado Give Me Beauty... Or Give Me Death!,grabado el 17 de mayo del 2006 han pasado años y dos discos mas,siendo este su opera prima,donde podemos ver que la banda ya prometía. En cortes como Hello Scotland o "Tomorrow My Friend..." se advierte la magnífica capacidad improvisatoria de la banda,teniendo ambos temas una duración superior a los 12 minutos. Existen dos versiones de este disco la primera europea,editada por la Sound Records británica y la segunda,es una versión especial para Japón producida por la Thomason Sounds con un tema extra titulado Misinform the Uninformed. Un buen disco de postrock.

Balmorhea

2010-08-08T00:00:00.002+02:00

Como lo prometido es deuda, esta semana(hasta el sábado que viene)ire añadiendo en esté período de vacaciones todos los discos y bandas de post rock que he tenido la oportunidad de escuchar a lo largo de mi vida. He de decir también que si el jazz y la música clásica son dos de mis grandes pasiones,ante el asombro de muchos amigos y familiares es quizás el rock progresivo y el post-rock dos de mis estilos de música favoritos. En esta ocasión de ocupo de la banda tejana de postrock Balmorhea. Con un estilo muchísimo mas reposado que las míticas Explosions in The Sky,Mogwai o Godspeed! You Black Emperor,Balmorhea explora otros territorios cercanos incluso a la música de Ludovico Einaudi o a la música de Debussy. En este disco en concreto titulado Constellations nos acercamos a las conversaciones sosegadas y tranquilas entre instrumentos acusticos, en esta ocasión el Post Rock se aleja de su versión de guitarras eléctricas y rifs potentes para acercarnos a fraseos sutiles. Este disco es el último de la banda y fue presentado este mismo año 2010, creo que tanto a los asiduos amantes del jazz que visitan este blog,como a los rockeros les encantará.

Followed by Ghosts

2010-08-07T21:33:00.003+02:00

Este es un claro ejemplo, del porque se debe de permitir el uso de las redes de pares y del intercambio de archivos en internet,así como una firme defensa a la descarga de música y de todo tipo de archivo en la red. Muchos de los que se quejan de las bajadas de archivos,no saben que existen una ingente cantidad de músicos,directores,escritores y demás personas dedicadas a las artes,que no tienen a la máquina de publicidad y al estado o a los estados respaldandoles. Tampoco saben que existen determinados estilos de música como es el caso del Post Rock,que serían incapaces de sobrevivir sin el apoyo de las descargas,ya que no viven del mismo modo que los terratenientes del papel cuché que ellos tanto defienden,la mayoría de las agrupaciones de Post Rock,no tienen a grandes discográficas respaldandoles,ni a multinacionales ni a políticos saludandoles. No lo necesitan,solo necesitan hacer su música y a sus seguidores para escucharla. Ese es su respaldo. Adentrandome en esta enorme banda de Iowa,y en este gigantesco disco grabado en el año 2008(su segundo album hasta la fecha)lo único que puedo decir es que merece la pena que sea escuchado,que maravillará a todos los viejos rockeros y también a los nuevos. Post Rock en estado puro,con sus aires melancolicos,sus rifs biem marcados,sus historias bien contadas por cada uno de los integrantes de la banda. Dear Monsters be Patient dará de que hablar,si no lo está haciendo ya. Un disco absolutamente maravilloso, destaco temas como Discussion Among Men o la sensacional y potente All is Lost. Un disco de Post Rock que merece la pena escuchar mas de una vez.

Bon Iver

2010-08-06T23:56:00.002+02:00

Bon Iver es el nombre artístico del grupo musical actual del cantautor Justin Vernon. Los miembros de la banda son Mike Noyce y Sean Carey. Vernon produjo de forma independiente este primer álbum, For Emma, Forever Ago en 2007, grabándolo en su mayor parte mientras pasaba tres meses en una cabaña remota en Wisconsin. La grabación casi no se sacó a la venta y al principio su pretensión era la de un grupo de demos para enviarlo a casas discográficas como potenciales grabaciones. Pero tras recibir reacciones de mucho ánimo por parte de algunos amigos, Vernon decidió sacar las canciones por sí mismo en el estado en el que se encontraban. Tras una recepción significativamente positiva, ayudado por el boca a oreja y por su popularidad en la blogosfera, Vernon decidió firmar por el sello independiente Jagjaguwar que a renglón seguido le dio al álbum la distribución adecuada. Vernon había dicho que continuaría creando álbumes sin ingenieros ni productores porque sería capaz de hacerlo por sí mismo. Este disco fue sacado a la venta en Estados Unidos y Reino Unido en el año 2008. Sin gustarme el folk,admito que esta apuesta de Justin Vernon es maravillosa.

Peter Erskine Nguyên Lê & Michel Benita

2010-08-06T20:58:00.002+02:00

Dream Flight es el segundo disco del veterano trio de maestros Peter Erskine,del magnífico guitarrista francovietnamita Nguyên Lê y del contrabajista Michel Benita. En este disco y en los cortes 1 y 3 aparece el saxo barítono de Stéphane Guillaume. El disco es una amalgama,siempre desde la voz del jazz de una sucesión de estilos que van desde el rock mas melódico,hasta el funky. Es en este disco. donde se descubre la figura de un Nguyên Lê sobrio y comedido,alejandose de la velocidad de los ritmos a la que nos tiene acostumbrados ,en la mayoria de los discos que firma con su nombre. Dream Flight en ocasiones crea parajes evocadores, e incluso nostágicos, también nos adentra en piezas como Romanichel en unos parajes donde la suavidad lo invade todo. El disco fue producido por la casa ACT en el año 2008,un buen disco de jazz moderno.

Mogwai

2010-08-06T14:54:00.002+02:00

The Hawk is Howling es el noveno y último disco de la banda escocesa de post rock,Mogwai. Dentro de este albúm encontramos de nuevo la fuerza y la potencia de los potentes rifs del conjunto,pero esta vez dotados de unos espacios que hacen que la imaginación vuele. El disco está compuesto por diez cortes, con temas que esta vez no superan los 10 minutos de duración cada uno. El disco fue presentado en europa en el año 2009. El disco sorprendió a todos los admiradores de la banda,ya que la creian disuelta despues del disco grabado en el año 2006 llamado Mr Beast. El album fue producido por su nueva discográfica llamada Rock Action. Un excelente album de la banda de Glasgow.

John Surman & Jack DeJohnette

2010-08-05T18:39:00.002+02:00

Un album donde sólo dos maestros demuestran su sabiduría y su buen hacer,donde no solo atreven a crear la mas pura vanguardia jazzistica con los intrumentos que les han dado la fama,también se atreven,con los sintetizadores y con pianos eléctricos.Dando a este disco un doble mérito,el de la experimentación bien lograda. Dentro de los terrenos del jazz contemporáneo,tanto Surman como Jack DeJohnette han demostrado que saben crear,este disco es una muestra de ello. El disco fue grabado en el año 1981 y suena como si hubiese sido grabado ayer,la atemporalidad se adueña de cada uno de los cortes del album,haciendolo un buen disco donde se entremezcla la improvisación con la experimentación. John Surman en temas como Kentish Hunting,graba en capas alternando el saxo barítono y el soprano,este tema ayudará a los músicos de viento a experimentar más y a alejarse de la mera interpretación.

Tannhäuser

2010-08-05T18:17:00.002+02:00

Una banda de post rock española,nacida en el año 2006. La definición no puede quedarse solo ahí. Es quizás la música de Tannhäuser la que recuerde a bandas tan míticas como Red Sparrowes, Isis o Mogwai,pero aderezadas con un encanto y una luminosidad y una espacialidad de lo mas sorprendente,alejados de los rifs duros y cañeros,Tannhäuser saben dar con su música en el espacio perfecto adentrandose una y otra vez mas en el sendero del buen rock. Esta banda puede ser una de las abanderadas del post-rock español junto a la catalana 12twelve.Los componentes van añadiendo poco a poco y siempre sutilmente,unos espacios absolutamente evocadores donde la una escapada es la reflexión. Un disco altamente recomendable grabado en el año 2008.

Sigur Rós

2010-08-05T18:03:00.003+02:00

Hvarf-Heim es un doble álbum compilatorio por la banda islandesa de post-rock Sigur Rós. Hvarf contiene versiones de estudio de canciones que no han sido lanzadas (exceptuando a "Hafsól" que estuvo disponible previamente como lado b del single Hoppípolla en 2005), mientras que Heim incluye versiones de estudio acústicas de canciones que ya han sido lanzadas.
El álbum fue lanzado el 5 de noviembre de 2007 en Europa y al día siguiente en Estados Unidos. De manera promocional, el 29 de octubre Sigur Rós lanzó como single a Hljómalind, uno de los tracks de Hvarf, en una edición limitada en vinilo de 7". El disco fue producido por la misma banda,siende este un autentico regalo para todos los amantes de la banda. A lo largo de estos días iré añadiendo muchos mas discos de este gran estilo musical. Es el post-rock en lo que me estoy centrando mas.Un saludo y de nuevo disculpas por tener este año tan poco atendido este espacio.

Ketil Bjørnstad

2010-08-04T23:46:00.002+02:00

Con una elegancia a la que nos tiene mas que acostumbrados,el pianista noruego Ketil Bjørnstad nos presenta esta joya llamada Devotions. Este es un album que invita al saludo,que lleva el mensaje de una vida,que narra su experiencia desde su mirada,siempre conmovedora y nostálgica. El disco viene presentado en 16 cortes de la mas pura inspiración del jazz nórdico. Junto a él, el maestro Arild Andersen al contrabajo, Alex Riel a la batería y Wolfgang Pusching al clarinete y a la travesera. El disco arranca con un maravilloso tema llamado The Window, para ir introduciendonos en un bosque de música donde vemos las luces y las sombras de una vida. Un disco de los que hacen historia,grabado para la casa Emarcy el 14 de mayo del 2007.

Nicolas Gombert & The Hilliard Ensemble

2010-08-04T23:19:00.003+02:00

Nicolas Gombert es quizás uno de los hombres más importantes dentro de la música polifónica, junto a Josquin Desprez y a Palestrina fue uno de los grandes impulsores del cambio músical de su época. Las composiciones de Gombert son quizás de las mas complicadas de este período y desde luego dejó huella en las posteriores generaciones de la escuela franco-flamenca. El Hilliard Ensemble,se encargó en el año 2002 de sacar a la luz su Missa Media Vita In Morte Sumus, en la cual rescatan con una belleza que roza los límites, la primera de sus cuatro misas. Un disco enorme que llega hondo,se tenga religión o no.

Joey Baron

2010-07-17T00:25:00.003+02:00

Nada más leer el nombre del dísco,produce algo de intríga y de nostálgia,y nada mas lejano a estas palábras,se encuentra la esecia de la música en este discazo fimado por Joey Baron. Con unas composiciones,encuadradas en un extraño gusto por el soul mas melódico,pero sin perder bases y versatilidad. Es en este punto, donde interviene uno de los contrabajos mas veteranos del momento, como es la imponente figura de Ron Carter. Baron acogió en sus filas a uno de los mas imponentes guitarristas del momento como es Bill Frisel,llevando el pulso a base de unas atmósferas de una enorme calidad, acordes en todo momento a las percusiones de Baron. Con la constante inspiración del joven Arthur Blythe,este disco puede enmarcarse,siendo desde el tema Mighty Fine hasta Supposing una mas que sorprendente elección. El disco fue grabado en 1997 para la discográfica de Baron.

Viktor Krauss

2010-07-16T23:55:00.003+02:00

Far from enough es uno de esos discos que nos hacen volar,uno de esos albums donde la música se adentra en las profundidades de la mente y de la imaginación. Donde se reunen dos viejos amigos, como es el caso del enorme bajista y contrabajista Viktor Krauss y uno de los mayores vanguardistas del jazz, como es el siempre mágico Bill Frisell. Ambos y respetando el esquema,sobre la composición en este caso de Krauss,nos acercan al maravilloso slide de Jerry Douglas y a la percusión de Steve Jordan. A toda esta máquina de ritmo se acerca la viola y la voz de Alison Krauss. Un disco absolutamente sorprendente,que desvela una vez mas la maéstria dentro de la composición e improvisación tanto de Frisell como de Krauss. El disco fue grabado en los estudios Sound Emporium y Brown Cloud de Nashville,en el año 2004. Una joya del jazz contemporáneo.

Tim Buckley

2010-07-16T16:44:00.003+02:00

Dentro de la magistral carrera músical, de uno de los génios y maestros del Rock .He decidido sacar este dísco del ólvido (después de unos cuantos meses, perdido en mi cabeza y en mis cosas) este maravilloso disco del cantante y guitarrista Tim Buckley. Nos adentramos desde el primer tema llamado No Man Can Find the War,en un torrente de buen hacer y de rítmo alejado de los convencionalísmos de la época. Temas que destaco y hago míos pueden ser I never asked to be your mountain,el descomunal Once I was o Phantasmagoria. El disco fue producido por la casa Elektra en el año 1969. Un disco imprescible para los amantes del rock y de la música en general. Dentro de mis preferencias he de decir que me siento mucho mas cercano a la música de Tim Buckley que a la de su hijo,pareciendome ambas joyas del rock. Siento haber estado un poco desconectado,procuraré ir añadiendo mas cosas lo ántes posíble. Un saludo.

George Braith

2010-05-14T15:02:00.002+02:00

Un disco cargado de un hard bop de absoluto vértigo. George Braith es uno de esos saxofonistas sepultados y enterrados en el ólvido, en parte a la enorme avalancha de reconocidos músicos de la categoría de Art Blakey, Lester Young,Charlie Mingus,Coleman Hawkins o Red Garland. Este disco es sólo una muestra del excelente hacer de George Braith, en el que nos descubre magníficos temas como Soul Stream o Outside Around The Corner escritos por el mismo George Braith. Así como un magnífico arranque con The Man I Love escrito por George Gershwin. En esta joya de album le acompaña uno de las mayores glorias de la historia del jazz como es la figura del guitarrista Grant Green y el pianista y organista Billy Gardner. En las percusiones descubrimos al batería Hugh Walker haciendo unos nudos y cortes, absolutamente descomunales. El disco fue producido por Alfred Lion y grabado por el maestro Rudy Van Gelder en sus famosos estudios de Englewood Cliffs en Nueva Jersey el 16 de diciembre de 1963 para la Blue Note. Una excelente muestra del jazz de los años 60.

Nils Petter Molvær

2010-05-13T21:57:00.003+02:00

Hablar de la música de Nils Peter Molvaer es hablar de otro movimiento dentro del nuevo jazz. Los sonidos de una trompeta absolutamente líquida, traspasan con un lirísmo apasionado espacios electrónicos de una elegancia fascinante. Molvaer en este disco vuelve a dar muestras de un sabio y sereno buen hacer, con su trompeta rasga la noche convirtiendola en un espacio de reflexión. Junto a un equipo de habituales como el guitarrista Eivind Aarset, (el cual también aporta en el precioso tema Soft Moon Shine sonidos de contrabajo), el contrabajista y bajista Audum Erlien el cual también colaboró con Molvaer en su anterior trabajo titulado Er, y el siempre sorprendente Jan Bang, creando unos espacios electrónicos que rozan una perfección deslumbrante. Molvaer vuelve a hacer honor a su música haciendo en el 2009 uno de los álbums mas sorprendentes de su carrera. Este disco fue producido por la casa noruega propiedad del mismo Molvaer, llamada Sula Records. Un disco altamente recomendable.

Arve Henriksen

2010-05-11T03:10:00.004+02:00

Arve Henriksen es una de esas glorias del Jazz nórdico, que nos tiene acostumbrados desde hace años a una calidad extrema considerado como un hijo musical de Arild Andersen con el que formó parte de su grupo hasta la pasada edicición del festival de jazz de Oslo, en el año 2009. La trompeta de Henriksen crea unos espacios sonoros en los que el trompetista y cantante noruego desnuda su alma. Este disco llamado Cartograhy es una maravillosa mezcla del mejor jazz de la casa ECM, mezclado con sonidos y voces que traen gratos recuerdos de una música medieval absolutamente renovada. Un disco triste y bellísimo que gustará a todos los aficionados a los discos del mas puro jazz europeo. Una joya coproducida por el polifacético Jan Bang. A su vez podemos escuchar en este disco a un veterano de la escena Jazzistica, el maestro del contrabajo Lars Danielsson, en el cual vuelve a demostrar su sabiduría.

Bill Evans & Jim Hall

2010-02-18T14:08:00.002+01:00

Antes de presentar este disco, querria disculparme por tercera vez este año ante todos los seguidores y amigos de este espacio por haber tenido tan descuidado este espacio durante estos últimos dos meses. A mí nunca me han valido las escusas, pero he de decir que he estado realmente ocupado y no he podido por ello colgar mas información sobre los díscos y la música que adoro por ese motivo. Sin mas que decir, me adentro en esta joya llamada Undercurrent. Un disco grabado a dúo, por parte de dos de los mas brillantes interpretes que ha dado la historia del jazz, como son Jim Hall a la guitarra y Bill Evans al piano. El disco está formado por unas extraordinarias combinaciones melódicas y por unos fraseos extraordinarios, en todas ellas se profundiza en la soledad,la melancolía y la ausencia. Ambos músicos intercambian conversaciones de una profundidad mágica a lo largo de todo el album con sus intrumentos, dignas de su música, donde se puede apreciar una maestría y una honestidad fuera de los parámetros establecidos. El disco abre con el conocido tema My Funny Valentine, y pasa por Starway to the Stars, y continúa revelando secretos dentro del jazz donde se va mas allá de la mera improvisación, sino que se adentra en lo mas profundo del corazón. El disco fue grabado en 1962 para la Blue Note.

Pepe Habichuela & The Bollywood Strings

2010-01-15T14:45:00.002+01:00

Un disco mas que imprescindible de uno de los maestros de la guitarra flamenca, el portentoso y virtuoso Pepe Habichuela. En este disco, Pepe Habichuela nos conduce a través de todos los palos imaginables del flamenco, hacia una fusión entre el mas puro flamenco y la mas precisa fusión con la música hindú, conducida por el hijo de Ravi Shankar,T.S Shankar. En el disco encontramos uno de mis palos flamencos favoritos la seguiriya, en un impecable tema llamado En el Grec, interpretado magistralmente por Habichuela y con la aparición estelar de Enrique Morente. A lo largo de todo el album se pueden advertir los maravillosos fraseos tanto de Habichuela como de la mayoría de los componentes de la familia Carmona. Este disco es una joya del flamenco, grabada en el año 2001, para la casa Nuevos Medios. Aconsejaría este disco a todos los amantes de la música.

Andrea Marceli

2009-12-31T18:47:00.006+01:00

Para cerrar este 2009, con el disco 300 posteado este año, me gustaría lanzaros a todos los amigos de este blog, este disco tan arriesgado del clarinetista, batería, músico y productor de jazz italiano Andre Marceli. Dentro de esta curiosa aventura, observamos como la música se pierde en las vanguardias, incluso llegando a alcanzar cotas donde recordamos difierentes discos de Niels Peter-Molvaer para la casa ECM. A lo largo de esta obra tan rara de Marceli, observamos también espacios sonoros donde el sintetizador utilizado en diferentes temas del disco, es absolutamente imprescindible, creado unas atmósferas inquietantes y absolutamente descriptivas. En este curiosísimo disco encontramos la aparición de genios del panorama jazzistico actual, como la figura del sensacional contrabajista Eddie Gomez, Bob Mintzer a los saxos, Mike Stern a la guitarra y Michell Forman al piano. Un disco muy interesante grabado para la Bhm en el año 2003. Espero que todos disfruteis de una muy buena entrada de año, y que en el 2010 todos vuestros deseos se cumplan, un saludo a todos los amigos de este blog,los enemigos pueden visitar el blog de los 40 principales, o la web de la SGAE y ponerme a parir desde allí .Junto a sus artistas ,los cuales desconocen que es el arte y las artes, y menos aún su sentido.Pero les gusta que les llamen y llamarse artistas,sin haber dado nada al arte o a las artes. Lo único que les interesa a esa ralea de soplagaitas, es engordar sus bolsillos con los ingresos de los que son sus semejantes, y de los que son engañados diariamente, gracias a sus televisiones,periodicos y medios de información . Desde este blog, voy a pedir un regalo muy especial a los Reyes Magos. Que desaparezcan todos ellos, políticos incluidos, que desaparezca esta sociedad dormida, inutil y boba. Pero que jamás se pierda , ni una sola persona, y que piense por si misma. Como diría Ortega y Gasset-Yo soy yo, y las circunstancias que me rodean-. Una sociedad destinada a perderse no importa, una persona jamás. Feliz 2010.

Jim Hall Paul Desmond Chet Baker Ron Carter Steve Gadd & Roland Hanna

2009-12-31T18:34:00.002+01:00

Otro discazo absolutamente impecable dirigido por el maestro Jim Hall. En esta ocasión se nos presenta casi una hora de ritmos absolutamente animados, donde el post Bop, se hace vigente a lo largo de todo el album. Por si no fuera poco todo lo dicho, Jim Hall se nos presenta junto a un equipo de autenticos maestros de la música como el saxofonista Paul Desmond, el siempre lírico y magistral Chet Baker a la trompeta, el maestro Ron Carter al contrabajo, el magnífico percusionista Steve Gadd y Sir Roland Hanna al piano. Es disco es una de esas obras maestras del jazz, que permanece absolutamente vigente ahora, como hace casi cuarenta años. Una joya de la música en la que Jim Hall y su guitarra, frasean contra viento y marea sacando temas de absoluto lujo como Concierto de Aranjuez,You'd Be So Nice to Come Home To o The Answer Is Yes.Una obra maestra del jazz absolutamente imprescindible. El disco fue grabado para la presitgiosa casa CTI en el año 1975.

Anouar Brahem Richard Galiano François Couturier Jean Marc Larché Bechir Selmi Palle Danielsson & Jon Christensen

2009-12-31T17:38:00.003+01:00

Creo que para cerrar el año un buen disco de músicas del mundo, irá bien. En este album nos adentramos en las entrañas musicales de uno de los mayores lirístas de la casa germana ECM. Dentro del disco se acentuan muchísimo, los fraseos de acordeón del maestro Richard Galiano. Este es un disco que abarca una enorme variedad de estilos, como la música árabe, el folk francés, combinados con los puentes y percusiones de dos de los mejores músicos escandinavos como pueden ser las figuras del sensacional contrabajista Palle Danielson o del batería Jon Christensen. A su vez Brahem vuelve a versionar dos de sus temas referente como E la nave va, o Vague. A su vez el disco nos adentra en las vanguardias músicales con temas como AÏn ghazel o en Des rayons et des ombres. Este es otro disco en el que el laúd del maestro Anouar Brahem vuelve a alcanzar las cotas de maestría insuperable. Otro excepcional disco grabado en septiembre de 1994 para la casa ECM.

Tom Waits

2009-12-30T23:26:00.004+01:00

Despues del enorme disco Beautiful Maladies, Tom Waits nos presentó esta maravilla titulada Mule Variations. De la voz de Waits poco mas puedo hablar, solamente decir que es profunda,inspiradora,rota y absolutamente perfecta para la música que hace, así que después de decir esto me adentro a hablar de esta joya. El disco abre con el tema(a mi modo de ver)mas animado de todo el album, como es Big in Japan el cual va a pasar a la historia de la música como uno de los mejores temas compuestos por Waits, en este tema podemos escuchar el potente bajo del bajista de bandas como Primus o Oysterhead, el estrafalario Les Claypool, el cual vuelve a dar muestras de su calidad. A lo largo de todo el disco podermos acercarnos a temas absolutamente descarnados, de una dureza y una nostalgia abrumadoras, como House Where Nobody Lives o Pony. Dentro del album, encontramos temas sacados de las entrañas del folk mas profundo, mezclados con el toque característico de Tom Waits. En el elenco de genios que Tom Waits suele escoger a la hora de crear cada nuevo album, encontramos la admirable participación de uno de los guitarristas del panorama jazzistico que mas me pueden gustar, como es la figura de Marc Ribot, el batería Greg Cohen o el también magnífico guitarrista Larry LaLonde. Creo que esta es, otra enorme obra de uno de los mejores músicos actuales, grabada para la casa Anti en el año 1999.

Chuck Wayne

2009-12-29T14:57:00.002+01:00

Este es otro disco que se puede encargar a los Reyes Magos, para los amigos de este blog que sean de otra nacionalidad distinta a la mía, creo que se pueden hacer un buen regalo, o si no pedirselo a Papa Noel el año que viene. En este disco hay un manantial de buen saber y de como interpretar una guitarra de jazz, este es el clásico disco de jazz donde uno no solo aprende, sino que se puede advertir la perfecta sincronía de un trío perfectamente formado. A la guitarra encontramos al maestro Chuck Wayne, donde muestra una versatilidad de estilos que abarcan desde el cool, swing,bebop,bop y demás. Junto a Wayne, forman parte de su equipo el contrabajista Joe Williams y el batería Ronny Bedford. Este disco es una joya, en la que encuentro paralelismos con la música de Kenny Burrell. Un album producido por Cal Lampley, para la casa Prestige el 8 de Diciembre de 1964.

Mundell Lowe

2009-12-29T14:37:00.002+01:00

No es de extrañar que a lo largo de estos días esté recomendando, esta serie de discos serenos y tranquilos. No hay nada mejor que despues de un dia lluvioso, andando de arriba para abajo con un frio tremendo y con el ruido asqueroso que producen los atascos y el gentio, sentarse a escuchar un disco como este. Mundell Lowe estaría entre uno de esos muchos guitarristas ocultos a lo largo de la década de los años 50 y 60, debido en mayor parte a la serenidad de su música dentro un territorio para esos años como podía ser el hard bop. En este album podemos encontrar a un jovencísimo Phil Bodner a la corneta y al oboe, a Al Link al clarinete y a la flauta,a Trigger Alpert al contrabajo y a Ed Shaughnessy a la batería. El album fue producido por Orrin Keepnews y Bill Grauer para la casa Riverside en el año 1956 y fue grabado por el ingeniero de sonido Rudy Van Gelder. Una joya de musica tranquila y reposada.

Larry Young

2009-12-24T02:10:00.002+01:00

Creo que lo peor del alcohol no es el beber, sino su persistencia, es decir el alcoholismo. Si hemos de atravesar un período de caida, que sea entonces junto a este enorme album del grandísimo organista Larry Young, seguro que hará llevar, esos momentos duros mucho mas llevaderos. En este disco se nos presentan piezas maestras del mas puro hard bop, pero sin pasarse siempre midiendo junto a los enormes maestros del género como Grant Green a la guitarra, Elvin Jones a la batería o el enorme saxofonista Sam Rivers. En este disco encontramos a lo mejorcito de la música de Elvin Jones con unos temas standars que harán las delicias de todos los seguidores, del Hammnond B3, tan característico de esos años. El disco elíge unos temas de aunténtico lujo en los que encontramos temas míticos como Paris Eyes maravillosamente interpretados e improvisados por Grant Green y Larry Young, así como piezas maestras del Jazz como Plaza de Toros o Ritha. Un album para recordar grabado el 12 de noviembre del 1964 para la Blue Note. Una joyita a perseguir para todos los amantes del jazz.

Ray Brown Monty Alexander & Rusell Malone

2009-12-17T17:15:00.003+01:00

Antes de entrar a hablar de este disco, quiero pedir disculpas a todos los amigos y visitantes de este blog, ya que en estas últimas semanas no he podido contestar a una enorme cantidad de correos recibida. Ire contestandolos uno a uno en los próximos dias, con la mayor urgencia posible. Ayer localicé este disco en una de las mejores tiendas de música de Madrid, se encuentra en la calle de la Palma número 33. Creo que este disco no es un disco facilmente adquiríble para el gran público y aconsejo visitar esa pequeña tienda a la hora de ir a comprarlo, en esta joyita encontramos a nuestros ya conocidos y veteranos,Ray Brown al contrabajo, al pianista Monty Alexander y al ya reconocido Russell Malone a la guitarra. En este disco nos introducimos en una enorme amalgama de buenas músicas en donde predomina, un excelente gusto y combinación musical cercana, a veces a la música neoclásica y otras a los standars clásicos. A lo largo de todo el album se alcanzan cotas, donde la combinación instrumental llega a veces a ser insuperable. En el album se presentan once temas, compuestos entre otros por; John Lewis,Bart Howart o Dexter Gordon.He encontrado también en el tema Don't Go, compuesto por el mismo Russell Malone unos fraseos de guitarra que alcanzan niveles escandalosos de puro intimismo, llegando a una perfección absolutamente sublime. El disco fue producido por Ray Brown y Elani Martone, en el año 2002 para la Telarc Jazz.

Joaquín Rodrigo & Pepe Romero

2009-11-30T16:44:00.003+01:00

De la mano de uno de los mejores guitarristas flamencos y clásicos, nos acercamos al mundo del Maestro Joaquín Rodrigo. Este disco, presume de ser una de esas rarezas clásicas difícilmente accesíbles al público mayoritario. Dentro de este asombroso viaje sonoro, encontramos pequeñas y grandes piezas como Tois petites pieces,En los trigales,Sonata a la española,Tiento antiguo o Romance de Durandarte la cual no fue originalmente escrita para guitarra. Todas las composiciones de Joaquín Rodrigo, están brillantemente interpretadas por Pepe Romero. Este disco es una apuesta segura dentro de la variedad de música clásica española de los últimos 50 años. El disco fue una producción de la casa Philips grabada en el año 1980.

Jacky Terrasson Leon Parker & Ugonna Okegwo

2009-11-10T23:23:00.004+01:00

Un album grabado en vivo y en directo en el famoso Iridium Jazz Club en la ciudad de Nueva York en el año 1997. Terrasson destaca en todo momento por ser uno de los nuevos portentos del panorama internacional del jazz, destacando en toda su música el tono colorista y desenfadado del sonido de su piano, en la que se advierte un simil a la última etapa de Red Garland. En el disco sorprende también la increible aparición del bajista Ugonna Okegwo el cual está absolutamente expléndido a lo largo de todo el album. Dentro de el sonido de Terrasson,destacan los parajes mas cercanos al jazz mas comunicativo que a la pura introspección. Destacando temas como The Teme compuestos por Miles Davis a los que Terrasson da vida propia. En el disco también interviene la poderosa modestia del sensacional batería Leon Parker. Este disco es una sensacional apuesta dentro de los parámetros del jazz mas convencional,un disco sencillo y apto para todos los oidos,grabado para la Blue Note.

Jon Hendricks

2009-11-09T18:51:00.004+01:00

Este disco es uno de esos discos difíciles de encontrar,ya sea por su escasísima difusión así como por el reducido número de copias sacadas al mercado,por parte del siempre excelente sello Telarc. En este Boppin´at the Blue Note, el veterano Jon Hendricks hace gala de su elegancia musical,llevando consigo al club NewYorkino Blue Note a un nutrido conjunto de músicos. El disco avanza entre los estandares clásicos,mezclando a estos con las increíbles improvisaciones del maestro de la trompeta Wynton Marsalis. En el disco encontramos también al siempre genial Al Grey al trombón y a los saxofonistas Red Holloway y Benny Golson, a su vez Jon Hendricks se encuentra arropado por sus dos hijas Judith y Michele. Un disco excepcional de uno de los pocos clásicos del jazz vivos, grabado en la ciudad de Nueva York en el año 1995.

Ralph Towner Eddie Gomez & Jack DeJohnette

2009-10-27T13:52:00.005+01:00

Este disco reune a tres de los músicos de mayor proyección internacional de los últimos treinta años. En este disco encontramos a los tres, dando forma a esta maravilla títulada Batik. El disco derrocha por todas partes una categoría y sabiduría musical extremas, donde esos fraseos típicos de la guitarra de Towner se entrelazan con la batería de Jack de Johnette y estos con el sensacional bajo de Eddie Gomez. En este disco también podemos escuchar,a un Towner con una guitarra de 12 cuerdas, la cual hará las delícias de todos los amantes de la guitarra clásica. En este disco también abundan los potentes solos de bajo de Eddie Gomez, en el que tendría que mencionar el repertorio se su buen hacer, en el primer tema llamado Whaterweel. Todo en este disco es mágico,sorprendente y cargado de una música absolutamente sensacional. Batik fue grabado en 1978 para la ECM. Creo que es uno de los pocos discos, donde podemos encontrar a esta interesantísima formación de maestros.

Sonny Rollins

2009-10-25T23:01:00.003+01:00

En este discazo firmado por Sonny Rollins, titulado Falling in Love Whith Jazz podemos admirar toda esa potencia,fuerza y sensibilidad a la que el maestro Sonny Rollins nos tiene acostumbrados album,tras album. Este disco contiene una curiosa variedad de equipo, en la que podemos ver rotaciones que van desde Jack de Johnette a la batería,turnandose con Jeff Watts,Tommy Flanagan turnandose con Mark Soskin,Jerome Harris cambiando el sonido de su bajo eléctrico por el del contrabajo de Bob Cranshaw,y por último el saxo de Branford Marsalis por una aparición en guitarra de Jerome Harris en Tenessee Waltz y Little Girl Blue. El disco suena bien hasta en la última nota, con este album Rollins consiguió fusionar de una manera magistral el sonido del Free con el frescor que trajeron,los nuevos vientos del jazz en los años 90. El saxo de Rollins destaca de una manera absolutamente sobresaliente a lo largo de toda la grabación, siendo este disco uno de mis favoritos dentro de la amplísima discografía del maestro. El disco fue producido por el propio Rollins y grabado en la ciudad de Nueva York, en el año 1990 para la casa Milestone. Una joya de uno de los mas grandes saxofonistas de la historia del jazz.

Michel Petrucciani & Niels-Henning Ørsted Pedersen

2009-10-25T22:45:00.003+01:00

Un disco grabado en el famoso Jazzhouse de Copenague, el cual recocoge un concierto aún sin editar que dieron los maestros Niels-Henning Ørsted Pedersen al contra y Michel Petrucciani al piano, en el año 1994. El disco saca a la luz catorece temas standars de Petrucciani, mas un trabajo no publicado de Pedersen hasta la fecha. En el album abundan los climas íntimos,donde los dos maestros dan un auténtico recital. La casa Dreyfuss se ha encargado de editar este material,casi 15 años después de haber sido grabado en vivo, en aquella mítica noche. El disco se encuentra dividido en dos cds, en los cuales se advierte la profunda sintonia,que compartian ambos maestros. Este album es pues, otra joya mas para la carrera discográfica de ambos en la que podemos escuchar uno de los mejores conciertos a dúo que han podido ser grabados en los años 90. Una joya que merece la pena seguirle la pista.

Enrico Pieranunzi Marc Johnson & Joey Baron

2009-10-23T20:41:00.003+02:00

En este sensacional disco volvemos a encontrar a uno de los mejores y mas aclamados trios del jazz actual, el veterano Enrico Pieranunzi,el bajista y contrabajista Marc Johnson y el batería Joey Baron. En este disco la música vuelve a flotar, creando esos espacios típicos del intimismo de Pieranunzi. Todo el album se encuentra bajo la influencia directa o indirecta de la música de Morricone, pero llevandola a unas cotas donde la improvisación se hace dueña de todos los músicos. En esta joya encontramos maravillas con tradiciones orientales como Nippono Ya-Oke,o dos temas muy queridos por Pieranunzi como Castle of Solitude y As Never Before. Todo el disco es una maravilla que nos acerca todavía mas a lo que debe de ser el jazz actualmente. El album fue grabado para la Cam Jazz en este 2009. Una aunténtica pasada de disco, el cual se encuentra a mi modo de ver, entre el Disfarmer de Bill Frisell,y el Wait till You see Here de John Abercrombie, como uno de los mejores albums de jazz de este año.

Charlie Haden Paul Bley & Paul Motian

2009-10-23T18:42:00.002+02:00

Este disco es otra de esas joyitas que me llegan gracias a los intercambios con amigos y que da gusto escuchar una y otra vez. Esta es una de las muchas grabaciones que realizan a Charlie Haden durante sus conciertos, durante los festivales de jazz en la ciudad canadiense de Montreal. Este disco forma parte del concierto dado en el Festival de Jazz de Montreal el 7 de julio de 1989. En este disco se rescata a uno de los muchos tercetos,creados por Haden a lo largo de toda su enorme carrera, en esta ocasión le encontramos rodeado del siempre ecléctico Paul Bley al piano, dando un auténtico recital y al maestro Paul Motian a la batería. Este disco es otro mas de la colección de Charlie Haden, en la que vuelve a dar cuentas de porque es uno de los mejores contrabajistas que ha dado la historia del jazz. En este disco aparecen reconocidos temas como Turn Around, When Will The Blues Leave? o el ya clásico Ida Lupino. El album fue sacado del cajón del recuerdo de la mano de la casa Verve en el año 1994. Un disco descomunal.

Erik Truffaz

2009-10-22T14:28:00.003+02:00

La música del trompetista galo Erik Truffaz suele gustar o caer bien a todo el mundo. En su música,y concretamente este disco tiutlado The Walk of the Giant Turtle, Truffaz se une a la música electronica, pero haciendola él mismo junto a su banda habitual. La trompeta de Truffaz surca los espacios sonoros cercanos a acid, creados por su grupo en los que la trompeta de Truffaz crea unos fraseos de una calidad indiscutible. Truffaz en este disco se encuentra cercano a la etapa electrónica de Miles Davis en su In a Silent Way, pero a medida que los dos primeros temas Scoody I & II terminan, la cosa empieza a animarse hasta cotas cercanas al rock progresivo, donde la trompeta de Truffaz se acerca a a su punto mas algido y es en ese punto donde el piano y órgano de Patrick Muller comienza a crear unos espacios de autentico vértigo. El disco es un compendio de una música sensacional, fácil e incluso cercana al toque de Davis en Bitches Brew, rozando en ocasiones el Dark Magus. Junto a Truffaz y Muller el equipo de siempre,Marcello Giulliani al bajo y eléctrico y Marc Erbetta a la batería. Este The Walk of the Giant Turtle es otra muestra del buen hacer, de uno de los mejores músicos galos de estos últimos 15 años. El disco fue grabado en el año 2003 para la Blue Note.

Lester Young & Teddy Wilson

2009-10-22T01:46:00.005+02:00

Es este disco, con el escueto título Pres & Teddy es una de las mayores glorias que ha dado la historia del jazz. Uno de los mejores discos del pianista Teddy Wilson y quizás uno de los mejores albums de la casa Verve. En este disco encontramos la peor época personal de Lester Young,pero quizás la mas creativa y la mas personal dentro de su sensacional carrera. Fue Lester Young desde sus primeras incursiones, un pionero junto a Charlie Parker dentro del sonido puro, y de la manera de expresarse a través del saxo influyendo a maestros de la categoría de Dexter Gordon,Sonny Rollins o Michael Brecker. En este disco se une el mejor Swing del maestro Young, creando unos fraseos con su saxo de unas cotas maestras, a las cuales el enorme Teddy Wilson, responde. Ambos músicos en todo el disco parecen tocados por la mano de Dios, en cada nota en cada momento e incluso en cada silencio. A su vez el trabajo del batería Jo Jones, es de auténtica mención,creando unos nudos cargados de potencia sobrenatural a lo largo del tema All of Me, Jones directamente creó escuela. Durante todo el album, podemos escuchar los sensacionales puentes de otro clásico, el gran contrabajista Gene Ramey el cual está sensacional a lo largo de toda la grabación. El disco es por entero una auténtica joya de la historia de la música, la cual es una compra absolutamente indispensable para todos los amantes del jazz. El album fue grabado para la casa Verve el 13 de Enero de 1956, siendo este una autentica pieza angular dentro de este estilo.

Dino Saluzzi

2009-10-22T00:24:00.002+02:00

He querido comentar desde hace mucho tiempo este disco del gran maestro del bandoneón, Dino Saluzzi. Con este Cité de la Musique,Saluzzi nos acerca a unas composiciones y fraseos que llegan a calar en lo mas hondo del corazón,Saluzzi se frasea junto a su hijo el sensacional guitarrista Jose María Saluzzi y junto al maestro Marc Johnson. El disco despide fusión con el tango y el folk argentino por los cuatro costados, y ademas sirve una música cargada de improvisaciones cargadas de un lirísmo y de una categoría que se podría catalogar ya,como una obra maestra dentro del jazz contemporéneo. El trabajo se abre con un sensacional tema titulado Cité de la Musique, en el que podemos escuchar una descomunal sincronización de los tres músicos en el que los tres intervienen de manera decisiva. En el disco abunda la música de bandoneón de Dino Saluzzi, pero les deja también protagonismo tanto a Marc Johnson(el cual vuelve a relucir)dando muestras, de porque es uno de los mas valorados bajistas del panorama internacional. Así como a su hijo Jose María, el cual debutó con este disco en esta discográfica. Este disco es quizás uno de mis favoritos dentro de la enorme carrera de Saluzzi, y lo recomiendo a todos a los que les guste un mínimo la música. El disco fue grabado para la ECM en el 1996.

Bill Evans & Toots Thielemans

2009-10-16T13:27:00.004+02:00

Este disco es quizás uno de los mas representativos de la magnífica música que creo el maestro Bill Evans en la década de los años 70. Desde la muerte de Scott LaFaro, Evans vivió un auténtico infierto en el que intervinieron adicciones a las drogas(heroina y en sus últimos años a la cocaína), el suicido de su primera mujer,arrojandose a los andenes del metro y un largo etcétera que intervino decisivamente para crear, ese tono nostalgico,melancólico e introspectivo tan presente en su maravillosa música. Este es un disco sacado del cajón del olvido, donde encontramos a un Evans, nuevo y cercano a una recuperación de su adicción(mas tarde volvería a caer). En este disco se nos presentan unas interpretaciones de Evans, de lo mejorcito de su carrera desde la desaparición de su primer trio,junto a Paul Motian y Scott LaFaro. En las que aparece junto al armonicista Toots Thielemans, el cual hace de este disco,algo mas que especial. Todo el disco es una unión de una música maravillosa,y desde el primer tema I Do It For Your love ya se percibe lo que va a ser el disco,una joya donde abunda la introspección y una música cálida y nostálgica,mejor que buena. Junto a Bill Evans y Toots Thielemans,encontramos al saxofonista Larry Schneider al cual podemos escuchar en algún fraseo,y al maravilloso bajista y contrabajista Marc Johnson el cual (y si me preguntasen)diría que es la reencarnación de Scott LaFaro,siendo este una parte absolutamente imprescindible en todo el album. A la percusión encontramos al batería Eliot Zigmund el cual marca unos ritmos templados, absolutamente necesarios para música creada en este magnífico album. Una joya para no olvidar jamás, grabada el 30 de octubre de 1978 para la casa Warner.Un disco absolutamente imprescindible.

Red Garland

2009-10-16T00:38:00.003+02:00

Esta es otra prestigiosa grabación realizada en la década de los dorados 50, realizada por el maestro Red Garland. A lo largo de todo el disco se percibe ese bop,tan característico de esos años,abriendo con temas tan conocidos como Please Send Me Someone to Love o el lanzado,Stomping at the Savoy. Junto a Garland, podemos escuchar a maestros como Paul Chambers al contrabajo y a Art Taylor a la batería. El disco fue todo un icono del prestigioso sello Prestige siendo uno de los albums mas vendidos en la década de los 50. Este disco ha sido una piedra angular, para pianistas posteriores. En este disco se siente las tremendas influencias de pianistas anteriores como Milt Buckner, o Art Tatum. El disco es una sensacional muestra del sonido del piano de aquellos años, con el aliciente de ser interpretado por uno de los padres del jazz. Una joya de grabación, con un sonido absolutamente asombroso,realizada para la casa Prestige en el año 1957.

Joe Farrell

2009-10-15T23:54:00.004+02:00

Joe Farrell consiguió acercar su jazz al rock, en este asombroso disco titulado Moon Germs. Directamente influido por la música de Charlie Mingus y de Elvin Jones, con los que colaboró antes de crear este trabajo.Decidió también rebuscar en el estilo mas o menos consolidado de Chick Corea,de ahí nace este trabajo cargado de ritmos potentes y frenéticos, en los cuales podemos escuchar a un nutrido elenco de maestros. Entre los cuales y de inmediato se advierte la poderosa percusión de Jack DeJohnette, el cual sigue dando muestra de su virtuosismo a la hora de interpretar ,y de marcar ritmos con su batería y percusiones. Encontramos a un Herbie Hancock eléctrico, realizando unos viajes de lo mas personales en el piano eléctrico y marcando unos puentes casi imposibles, al maestro Stanley Clarke el cual esta absolutamente brillante a lo largo de la aproximada,media hora de duración del album. Este disco es una fusión entre el jazz electrónico,tan latente en los años ochenta y setenta,junto al rock progresivo que comenzaba a aflorar en esos años. Aún asi este disco no ha perdido su encanto,como pudo ocurrir con otros saxofonistas y músicos en general, de aquellos años. Creo que es un buen album representativo de la excelente casa CTI,grabado el 21 de noviembre de 1972.

Chet Baker

2009-10-15T21:20:00.003+02:00

Chet Baker es considerado ya por todos, uno de los padres del jazz, west coast o del cool. Es en este disco, una joya indiscutible del jazz donde encontramos esa esencia del mas puro cool. Dentro de este disco encontramos al Chet Baker, en uno de sus mejores momentos de su carrera, en el cual aún no se encontraba machacado por la heroina. Dentro de este disco encontramos temas standars típicos de la historia del jazz, como My Funny Valentine,The Thrill is Gone o But Not for Me en los que encontramos la preciosa voz de Chet Baker, así como el lirísmo absoluto de su trompeta, junto a unos acompañamientos de lujo por parte de maestros de la categoría de Kenny Drew al piano,Sam Jones y George Morrow a los contrabajos y Philly Joe Jones y Dannie Richmond a la batería. Una joya del jazz grabado para la casa Pacific en 1956.

Sylvain Luc André Ceccarelli & Jean-Marc Jafet

2009-10-15T20:51:00.002+02:00

Uno de los referentes del jazz francés, nos lanzó este excepcional disco hace unos cuantos años. En él encontramos temas inspirados en la tradición de Django Reinhardt, entremezclados con la guitarra clásica de Ralph Towner. El disco es un excelente ejemplo del buen hacer de los nuevos músicos que salen de Francia en estos años. Desde el primer tema titulado Jordu,percibimos unos fraseos y unas composiciones mas cercanas al post bop o al be bop, que a las vanguardias puramente estudiadas advirtiendo también la perfecta conjunción entre el magnífico contrabajista Jean-Marc Jafet el cual está soberbio a lo largo de todo el disco, destacando su magnífica intervención en Out of The Night Came You en la cual realiza unos fraseos de bajo,descomunales. En el trio de Sylvain Luc también encontramos la participación del gran batería André Ceccarelli el cual ha intervenido con maestros de la categoría de Miles Davis,Jaco Pastorius o Enrico Pieranunzzi. Un disco de una categoría fuera de lo normal,grabado para la casa Dreyfus en el año 2001.

John Abercrombie Marc Feldman Thomas Morgan & Joey Baron

2009-10-15T14:30:00.003+02:00

Es bien sabida la buena relación que han mantenido los maestros Abercrombie y Feldman en estos últimos diez años,y fruto de esta relación nace este sensacional nuevo disco Wait Till You See Her. Este último disco nos acerca a la cara mas amable de la música de Abercrombie, sacando a relucir temas donde nos acercan a una melancolía serena digna de una ciudad norteamericana cuando saluda al otoño, con maravillosos temas como Sad Song donde la combinación Feldman/Abercrombie es mas que magnífica. El disco no pierde ese toque vanguardista y avant garde,tan característico de la música de John Abercrombie el cual recuerda a discos como Tactics o al prestigioso Cat n Mouse, grabados también para la ECM. El disco alberga también la presentación para la casa ECM del joven contrabajista Thomas Morgan, el cual creo que realiza una sensacional aportación a lo largo de todo el album, y la batería del siempre magnífico y simpático Joey Baron. El album no pierde la esencia de Abercrombie y además nos presenta a un Feldman en plena forma. Uno de los mejores discos de jazz que he tenido la oportunidad de escuchar este 2009, junto al bestial Disfarmer de Bill Frisell. Una joya de la casa ECM grabada este 2009 en la ciudad de Munich.

Ron Carter

2009-10-15T14:10:00.003+02:00

Creo que es un buen paralelismo decir ;Clint Eastwood es al cine lo que Ron Carter al jazz. Uno de los pocos clásicos vivos que se han mantenido fieles a su estilo. Modificandolo sutilmente pero sin perder la esencia y la musicalidad. Ron Carter siempre a sabido responder con su música a los tiempos que se van y vienen, manteniendo vigente su estilo sin perder jamás su toque absolutamente peculiar y dando muestras de su altísima sabiduría técnica en cada uno de sus fraseos y composiciones. En este Stardust, Ron Carter nos afreció otro trabajo de una altísima calidad reuniendo en el disco a un elenco de los mejores músicos actuales como el maestro Roland Hanna al piano,el magnífico saxo de Nueva York Benny Golson, el sensacional Lenny White a la batería y Joe Locke al vibráfono. El disco es una sensacional amalgama de estilos el cual nos conduce desde el Bop al Post-Bop. En el cual podemos escuchar de nuevo los potentes fraseos de contrabajo del maestro Ron Carter el cual está absolutamente asombroso, este album no tiene nada que envidiar a su gran trabajo The Golden Stryker o a su magnífico Yellow & Green a los cuales se acerca por momentos. Este disco fue grabado para Blue Note en los Clinton Studios de la ciudad de Nueva York el 6 de abril del año 2001.

Jim Hall

2009-10-15T13:47:00.003+02:00

Este fue el album que presentó Jim Hall para su presentación en sociedad, con su nueva discográfica Telarc y sus Jazz series. En este album Jim Hall participa en solitario junto a su guitarra, para dar un recital cercano a la música del estilo de Ralph Towner o con los mismos registros musicales con los que nos deleitó Bill Frisell en su gran disco Nasville. El disco se compone de unos maravillosos temas compuestos por el propio Hall, donde demuestra de nuevo su enorma calidad técnica e improvisatoria. Destacando temas en este disco, recomendaría una audición al precioso tema titulado Seseragi donde Hall añade efectos a su guitarra con su pedal. A lo largo de todo el disco abunda un clima reposado y tranquilo, donde se advierte a un Hall introvertido, dando muestras de que también sabe deleitarnos con fraseos sutiles y reposados. Jim Hall en el disco rescata del olvido uno de los temas mas importantes del jazz para hacerlo propio, como la maravillosa composición de Duke Ellinton In a Sentimental Mood, en la cual se percibe ese toque característico de la casa Hall. Creo que este disco es una buena aportación a la historia del jazz, en la que se puede escuchar a un Jom Hall en solitario realmente sorprendente. Un disco grabado para la casa Telarc en 1994.

Paul Desmond

2009-10-15T13:22:00.004+02:00

Paul Desmond uno de esos padres del cool, compañero en mas de una batalla de Chet Baker,Al Cohn o Zoot Sims. Nos presentó este bonito trabajo titulado From the Hot Afernoon hace casi cincuenta años, en este precioso album se fusiona el cool con la música brasileña creando unos espacios relajados donde el saxo de Desmond toma la voz cantante junto a unos acompañamientos sensacionales, los cuales harán las delicias de todos aquellos a los que les guste la música brasileña. En un primer momento este album formó parte del grueso de la CTI, para mas tarde formar parte de la casa Verve y de sus Request Series. En el disco participa un batallón de músicos de lo mas dispar, desde el maestro Ron Carter al contrabajo,pasando por la preciosa voz de Wanda De Sah,los magníficos saxos de Phil Bodner, George Marge hasta el piano de Patrick Rebillot y la guitarra de Dorio Ferreira. El cool es parte fundamental del album, destacando temas como Crystal Illusions, donde queda clara la influencia de Chet Baker mezclandose con las melodias de un primer Lester Young. A lo largo de todo el disco podemos disfrutar de una música ligera y desenfadada donde todas las composiciones son originales y donde toma un importante papel la orquesta que acompaña a Desmond,partiendo en este disco, de unos sonidos serenos donde podemos encontrar un buen album para desconectar del ritmo que nos otorga el estrés cotidiano. Un buen album de jazz fusión grabado en 1969.

Wynton Marsalis

2009-10-13T23:47:00.003+02:00

Un disco de uno de los mas clásicos de los trompetistas de jazz actuales. Wynton Marsalis en este Live at the House of Tribes, nos propone una jam con músicos con los que no toca frecuentemente. A lo largo de este magnífico disco Marsalis y el elenco de músicos que le rodean, giran alrededor del swing del cool y del bebop,jugando con temas de Thelonius Monk como Green Chimneys, o You Don't Know Wat The Love is del siempre sensacional Sonny Rollins. El disco está grabado en vivo y en directo y junto a Marsalis se encuentra uno de los pocos músicos de la formación, al cual conocía tras haber tocado con él en infinidad de ocasiones el saxo alto Wessell "Warmdaddy" Anderson, este punto no dejaría de ser anecdótico ya que el resto de los integrantes de la formación actuan como sidemans. Creo que es una excepcional grabación con un sonido de auténtico lujo, en el que encontramos al gran bajista de origen latino Carlos Henriquez el cual está en el disco sensacional. De la rítmica se encarga el gran pianista Eric Lewis y los baterias y percusionistas Orlando Rodriguez y Joe Farnsworth. Un buen disco donde se percibe perfectamente el estilo clásico de Marsalis a la hora de interpretar, grabado en directo en el año 2002 y producido para la Blue Note en el año 2005.

Gary Peacock & Bill Frisell

2009-10-13T21:57:00.003+02:00

Un disco poco común en la carrera de ambos maestros, en el que se aventuran en una auténtica carrera sonora en busca de nuevos desafios musicales desde los fraseos rápidos,el avant garde y la experimentación. El disco cuenta con once cortes siendo el último Just so Happens el que le de nombre al cd. El album podría ser perfectamente una jam entre dos buenos amigos, donde el contra de Peacock interviene de la misma forma decisiva que la guitarra de Frisell. Este disco no es un album de jazz al uso,tampoco se parece a los conjuntos formados con Ralph Towner o con Abercrombie, pero es otro punto de vista totalmente aceptable dentro de la carrera de ambos maestros donde la experimentación es la pieza base de todo el disco. Creo que la muy mal llamada abstracción, es el eje desde el que se debe de partir para aceptar y escuchar con otros oidos este reto que nos presentan estos dos sensacionales músicos. Un buen disco de jazz de vanguardias, grabado en la ciudad de Nueva York el 17 y 18 de febrero del 1994 para la PostCards Records.

Arvo Pärt & The Hilliard Ensemble

2009-10-13T21:18:00.005+02:00

Este imponente trabajo de Arvo Pärt titulado Miserere, es quizás uno de mis predilectos hasta la fecha pasando por trabajos del mismo como De Profundis,Beatus,Kanon Pokajanen, Lamentate, Nekrolog, Passio o Pro et Contra junto a Paavo Jarvi. Al acercarme a mi tienda de música, me llamó la atención la curiosa portada al ver que en ella aparecia mi admirado Hilliard Ensemble, no había oido hablar de este disco compuesto por Pärt y llevaba mucho tiempo buscando un tema compuesto por Pärt para la película Japón,dirigida y escrita por el genial director mejicano Carlos Reygadas. Al llegar a mi casa con ganas de escuchar el disco, descubro que el mismo se encuentra en el primer tema, (casi oculto) al durar el mismo casi 35 minutos. Desde que he llegado a casa hace unas dos horas lo habre escuchado cerca de cuatro veces. Los coros del Hilliard Ensemble lo envuelven todo gracias en parte a la majestuosa partitura compuesta por el maestro Pärt. Junto al Hilliard Ensemble se encuentra la Orchester der Beethovenhalle Bonn,dirigida por Dennis Russell Davies. El disco es una autentica joya de la música clásica contemporánea en la que nos encontramos el lado pagano del compositor estonio.El disco se divide en tres cortes Miserere,Festina Lente y Sarah Was Ninety Years Old. Es este grandioso album hasta la fecha uno de mis discos firmados por Pärt hasta el momento, pero aviso a todos aquellos que desconozcan la música del compositor estonio puede llegar a ser absolutamente turbador,conmovedor,sobrecojedor e inquietante por partes iguales. Este disco también pondrá a prueba la calidad de vuestros altavoces, destacando a lo largo de toda la grabación los tonos bajos y la potencia del Hilliard Ensemble.Una auténtica joya, grabada en el año 1991 para la ECM New Series.

Arvo Pärt

2009-10-12T20:04:00.003+02:00

En De Profundis se recogen el Salmo 129, la Missa Sillabica las Seven Magnificat Antiphons y en los dos últimos temas The Beatitudes y Magnificat. Cuatro composiciones escritas por separado por uno de los compositores de música clásica mas venerado del S.XX. En todas ellas se observa las preferencias de Part a la hora de elegir grandes corales y la potencia del organo, en esta ocasión interpretado (y no leido) por el magnífico Christopher Bowers-Broadbent. El disco completó todos los registros para alzarse como uno de los mejores discos de música clásica del S.XX siendo premiado con el diapasón de oro en el año 1997. La misa interpretada por las veintidos almas del Theatre of Voices y dirigidas por el siempre excepcional Paul Hillier, suena con una pureza donde se mezclan la mística digna del canto gregoriano, con la música contemporánea, siendo la sencillez y la belleza algo latente en todo el disco. Esta joya de la música clásica fue grabada para la casa Harmonia Mundi en el año 1997 y lo aconsejaría a todos los amantes de la música en general.

Eleni Karaindrou & Theo Angelopoulos

2009-10-12T15:01:00.006+02:00

La discográfica ECM siempre se ha encargado de llevar en todos sus discos una señal inalterable de calidad y eso lo demostró en parte no solo gracias a los músicos que en ella han intervenido a lo largo de sus 40 años de historia, sino también por los esfuerzos del productor y dueño de la discográfica Manfred Eicher,por crear un lazo de unión entre todo aquello que va mas allá de leer una partitura, (cosa que todo músico con un par de años de experiencia sabe hacer), sino que eligió a aquellos que transmitian a traves de sus instrumentos su alma y sentimientos. Ya fuese por las vias del jazz(o de la improvisación), de las músicas del mundo o de la clásica como es el caso que ocupa el ECM New Line. De todos los músicos que componen el sello germano ECM, ninguno estudió en ningúna escuela de superdotados,aún así afloran nombres tan importantes para la música actual como Keith Jarret,John Abercrombie,Valentin Silvestrov,Agnes Buen Garnas,Michelle Makarski, Juliane Banse,Anja Lechner,Vassilis Tsabropoulos,Jack DeJohnette,Jan Garbarek,Stefano Bollani,Andras Schiff,Dino Saluzzi,Pat Metheny,Arvo Part,John Scofield,Dave Holland,Enrico Rava,Terje Rypdal el triste y reciententemente fallecido Michel Galasso o esta maravillosa mujer Eleni Karaindrou. Esta es la banda sonora de la última película del maestro del cine griego Theo Angelopoulos, en la que encontramos esa pasión arrolladora tan latente en la música compuesta por Karaindrou para Angelopoulos,donde se destaca siempre un colorido y una intensidad, para destacar con ellos los balances del cello de Renato Ripo o del arpa de María Bildea. La música en este disco así como todas las bandas compuestas para Angelopoulos por parte de Karaindrou, destacan por su contemplación, quiero decir que en ellas no existe una sucesión armónica y cuando esta se repite es solo para mantener un ritmo, (vease el corte Untravelling Time II) donde el arpa de Maria Bildea no habla sino que mantiene la melodía. Temas como Notes nos acercan a las vanguardias sonoras,acercandonos a la música de Kim Kashkashian o de Giya Kancheli. El disco consta de dieciseis temas,todos perfectamente estructurados sobre el rítmo de la película, los cuales están dirigidos por el director de orquesta Alexandros Myrat y en el podemos escuchar también, a la Hellenic Radio Television Orchestra. Este album se encuentra en todas las tiendas donde venden música, no el Corte Inglés. Una magnífica apuesta compuesta en su totalidad por Eleni Karaindrou en la que en la última pagina de su libreto, dedica esta obra al musicólogo y productor Manfred Eicher el cual no solo apostó por un estilo determinado,pensando que todo lo que lleve alma y sentimiento enriquece.Sin lugar a dudas acertó con su filosofía de vida y con su discográfica siendo esta premiada en cientos de ocasiones.Este disco acaba de salir en este 2009.

Iannis Xenakis Johannes Kalitzke & Ensemble Resonanz

2009-10-12T14:44:00.002+02:00

Un aviso para todos aquellos que quieran bajar o comprar este disco. Esto no es un album para todos los oidos y es quizás uno de los albums mas duros de escuchar del compositor Iannis Xenakis, en él nos adentramos mas allá de la denominda música concreta, nos sumergimos en el mundo de la música estocástica, en la que el mismo Xenakis se valió de los parámetros del serialismo y del post-serialismo musical para crear un nuevo concepto musical basado en algunos de los procedimientos utilizados en sus composiciones incluyen la teoría de probabilidades (teoría cinética de gases de Maxwell-Boltzmann en Pithoprakta, distribución aleatoria de puntos en un plano en Diamorphoses, restricciones mínimas en Achorripsis, distribución gaussiana en ST/10 y Atrées, cadenas de Márkov en Analogiques), la teoría de juegos (en Duel y Stratégie), la teoría de grupos (en Nomos Alpha), y el álgebra booleana (en Herma and Eonta). En consonancia con su uso de teorías probabilísticas, muchas de la piezas de Xenakis son, en sus propias palabras, "una forma de composición que no es el objeto en sí, sino una idea en sí, esto es, los comienzos de una familia de composiciones". En este disco encontramos un conglomerado de las ideas musicales del compositor y arquitecto griego,que van desde una de sus primeras partituras titulada Syrmos para 18 cuerdas compuesta, hasta Ittidra otra composicion para sexteto de violines compuesta en el año 1996. El disco recorre toda la trayectoria del compositor griego y creo que es una buena oportunidad para acercarse e intentar conocer su obra. El disco fue grabado para la casa Mode en el 2005.

Oregon

2009-10-12T03:17:00.004+02:00

La música y los libros siempre me han acompañado a lo largo de mi vida, siempre los he tenido casi como amigos íntimos en los que he confiado cuando no me encontraba del todo bien, o cuando necesitaba sentarme un rato a escuchar y no encontraba a nadie que me hablase o me diese consejo,estas dos cosas me han valido en muchas ocasiones para alejarme de la soledad, a la que espero jamás conocer en profundidad. A lo largo de este último mes de septiembre y en estos dias del comienzo de octubre,me ha costado conciliar el sueño, a veces y cuando me meto en la cama lloro sin motivo, o a lo mejor en ocasiones lo hay, pero ahora prefiero no pensar demasiado en ello. El caso de estar a estas horas colgando esta recomendación del disco Winter Light de la banda liderada por Ralph Towner, no es otra que mi mas profunda admiración por la misma y mi incasable insomnio,ambas cosas se han unido en esta madrugada. Así pues abriré la caja de pandora de nuevo, para recomendar este albume a todos los que visitan este espacio. Este fue el cuarto album de estudio de la banda y en este disco encontramos unos espacios donde la sutileza de la guitarra del enorme Towner encuentra su espacio, mas que en ningún otro album de la banda. Es en este cuarto album donde el contrabajista Herb Bushler fue substituido por el ahora veterano Glenn Moore, en el cual demuestra una versatilidad digna de un maestro(a observar los potentes fraseos de bajo en el tema Ghost Beads), los cuales marcan un juego mas que digno con la guitarra de Ralph Towner. A su vez el magnífico músico Paul McCandless, demuestra una vez mas su magnífica versatilidad en los instrumentos de viento. Walcott en el disco está mas que aceptable, sin interferir con sus percusiónes en los fraseos de Towner. Creo que es uno de los mejores discos de la banda, el cual recomiendo a todos los amantes del jazz y de la música instrumental en general.El disco fue grabado para la casa Vanguard en el año 1974.

Arnett Cobb

2009-10-11T20:44:00.004+02:00

Una de esas muchas joyas que salieron en los magicos 60(para muchos la época dorada del jazz),uno de esos albums de los cuales es imposible encontrar un lp.Solamente se sacaron a la venta en el mundo 2500 unidades y ahora está practicamente imposible de econtrar debido a su alto precio en el mercado y al reducido número de copias que circulan a la venta del original.Aún así se dispone desde el 2008 del mismo album en cd,gracias a una magnífica remasterización realizada por la veterana casa Prestige. En el disco encontramos temas del mas introspectivo Arnett Cobb, en el cual fusiona su veteranía de los años 40 fusionando esa música con los nuevos vientos que traia consigo el jazz de los años 60. El disco es una obra maestra donde encontramos a maestros del jazz como el siempre mágico pianista Red Garland o el maestro George Tucker al contrabajo, así como el batería J.C Heard. En este Sizziln descubrimos temas de la factoría Cobb como el precioso comienzo con,Sweet Georgia Brown o la pieza referente de todo el disco Georgia On My Mind. Este disco se encuentra como uno de los mejores discos de la historia del jazz, en la guia Pinguin fue grabado en el año 1960 para la casa Prestige. Esto es mucho disco.

Peter Warren

2009-10-11T20:28:00.002+02:00

En ocasiones creo que es un auténtico milagro la música que sale de las manos de Jack DeJohnette, unas percusiones que se salen de los marcos de la dificultad máxima. Este disco compuesto en su mayoría por el contrabajista Peter Warren es uno de esos discos,difíciles de escuchar y mas aún de interpretar, en el cual las cuerdas del contrabajo de Warren no toman el mas mínimo aliento. Este aceleradísimo jazz de vanguardias encierra una electrónica de autentico lujo al ser llevada en estudio por el mismísimo Pat Metheny, a su vez en esta ocasión la guitarra se encarga de llevarla otro maestro como es John Scofield el cual se encuentra en su salsa, siendo este uno de los rítmos y tempos en los que mas cómodo se puede sentir. A lo largo de todo el disco nos encontramos con la voz de veterano saxo alto,Henry Purcell el cual parece que nació para hacer este disco. En su version LP este disco cuenta con dos temas por cada cara en las cuales encontramos en la primera dos vertiginosos temas de unos diez minutos aproximadamente, donde vemos esta ensordecedora máquina de ritmos freneticos donde todos los instrumentista se coordinan aplastantemente bien. De mención y no por menos, sino porque es su album y sus composiciones el genial Peter Warre, y sus sensacionales fraseos y puentes de contra a lo largo de todo el disco. Una curiosidad sobre este disco, es que fue producido directamente por Jack DeJohnette el cual pagó todos los gastos de grabación para la casa Japo en el año 1982.Un buen disco de Jazz de Vanguardias.

Astor Piazzolla

2009-10-06T14:02:00.002+02:00

Según las palabras del propio Piazzolla, este es el mejor album de toda su discografía y en él dejaron su alma. Este impresionante disco fue frabado en la ciudad de Nueva York durante una de las muchas visitas que Piazzolla realizó a los Estados Unidos. El disco comprende otra etapa de uno de los mas grandes músicos argentinos de todos los tiempos,el cual fue responsable de elevar el tango hasta cotas insospechadas. Piazzolla retorna con su nuevo quinteto el cual hace las delicias desde el primer tema titulado Tanguedia, en el cual encontramos todos esos componentes que afloran en la música de Piazzolla como la pasión y la fuerza. El nuevo quinteto que formó Piazzolla en ese año 1986 estaba compuesto por Fernando Suarez al Violín,Pablo Ziegler al piano,Horacio Malcivino a la guitarra y Hector Console al contrabajo. En este grandísimo disco encontramos temas conocidos de Piazzolla como La Milonga del Angel o Mumuki. Creo que todos los discos de Piazzolla son obras fundamentales para todos los que se sientan amantes de la música, y especialmente esta joya grabada para la casa Clavé.

Jens Søndergaard

2009-09-28T21:16:00.001+02:00

Un disco que rinde culto a la figura del saxofonista Art Pepper y a toda su carrera musical.El veterano escandinavo saxofonista alto Jens Søndergaard, formó un cuarteto dedicado a la interpretación de las canciones de Pepper, y en pocos meses recaló en Jazzcup, una tienda/cafetería de grabación de Copenhague, donde una presentación en vivo fue grabada. Junto al pianista Thomas Borno, el bajista Marc Davis, y el percusionista Dennis Drud, Søndergaard escogió una mezcla de los trabajos conocidos y obscuros de Pepper para la presentación. El líder no intenta imitar el estilo del saxofonista, pero brinda una corriente bop principal en la interpretación. Los puntos culminantes incluyen el blues "Junior Cat", la sentida interpretación "Patricia", la cálida balada "Our Song" (interpretada por Søndergaard en clarinete), y dos temas latinos que añaden al intérprete de conga Fleming Quist Moller, "Mambo Koym" y "Mambo de La Pinta".Referencias;Musica que Cuelga.

Soeur Marie Keyrouz

2009-09-28T20:53:00.002+02:00

Junto al album Chant Byzantine, Sor Marie Keyrouz deslumbró al importante sello francés Harmonía Mundi con estas dosgrandiosas grabaciones donde se recogen los primeros pasos musicales de la música cristiana. En este disco Chant Traditionnel Maronite,Keyrouz recoge las tradiciones Sirio-Católicas y Sirio -Ortodoxas, en las que podemos escuchar piezas que nos llevan a las primeras centurias del cristianismo en oriente y en el medio oriente. El disco se divide en tres marcados movimientos como la natividad,la pasión y la resurección. Junto a la maravillosa y conmovedora voz de Keyrouz encontramos a L'Ensembre de Paix, la cual esta formada por instrumentos de como el nay, laud y percusiones junto a una maravillosa coral de voces femeninas y masculinas. Un disco maravilloso grabado para Harmonia Mundi en el año 1991 y reeditado en el año 2008.

Cecil Taylor

2009-09-28T20:21:00.004+02:00

Otro de esos discos de Taylor en los cuales este estrambótico pianista se adelantaba casi 50 años a las vanguardias. En este disco se advierten esos giros rápidos y los bruscos cambios de ritmo tan frecuentes en la música de Taylor, con los cuales se hizo grandes amigos como enormes enemigos. Lo único que se puede decir de la música de Taylor es que está estudiadísima, desde la mas notable composición hasta el mas minusculo tema. Todo dentro de la discográfica de Cecil Taylor es una sorpresa, este album titulado Conquistador, así como su primer tema,también lo es. Este disco se puede acercar a las concepciones mas jazzisticas, concebidas por John Coltrane en su Olajatunji Concert o al Free Jazz de Ornette Colleman , así que aviso, no es un album para todos los oidos. Junto a Cecil Taylor,Bill Dixon a la trompeta,Jimmy Lyons al saxo alto,Henry Grimes y Alan Silva a los contrabajos y Andrew Cyrille a la bateria. El album está formado por tres temas de unos veinte minutos cada uno, grabado por Rudy Van Gelder para la Blue Note en 1966.

Valentin Silvestrov

2009-09-28T13:59:00.002+02:00

Este disco fue el resultado de dos grabaciones que se realizaron antes y después de su estreno oficial. El disco comprende composiciones del compositor de origen ucraniano Valentin Silvestrov, interpretadas por el pianista Alexei Lubimov el cual muestra una cercania total con la música de Silvestrov. Junto a él la magnífica Munich Chamber Orchestra dirigida por Christoph Poppen. El disco es una de esas muchas joyas que se encuentran grabadas en el sello clásico de la ECM,ECM New Line Series y contiene composiciones de Silvestrov como Bagatellen I - XIII/ II (var.),Stille Musik for string orchestra,Walzer des Augenblicks I,Abendserenade II,Augenblicke der Serenade III así como Der Bote for strings and piano Dedicated to Larissa Bondarenko. El disco fue grabado en el año 2006 como conmemoración del setenta cumpleaños del compositor en Munich.

Ben Webster

2009-09-28T12:35:00.005+02:00

Un disco cargado de sutileza,de improvisaciones suaves y de una música lírica y sensacional. Así de magnífico suena este precioso album firmado por el saxo de Ben Webster. El disco es una mezcla entre el cool y el bop, pero con una cadencia de sonido en la que Ben Webster se siente de lo mas cómodo para contar sus historias dentro de los muchos standars de Gershwin,Brubeck o de Ellington. Temas tan conocidos como reconocidos, como Over the Rainbow,Blues for Mr. Broadway o The Single Petal of a Rose conviven en este excepcional disco el cual reune un equipo absolutamente asombroso junto al saxo de Ben Webster,como puede ser la figura del maestro del piano Hank Jones,Roger Kellaway al harpsicordio,Richard Davis al contrabajo y Osie Johnson a la batería. A su vez en los dos últimos temas contamos con la aparición del sensacional trompetista Thad Jones, la figura como conductor de Oliver Nelson y las sensacionales figuras a los saxos de acompañamiento de Phil Bodner, Phill Woods y Pepper Adams. Un disco extraordinario que gustará a todo el mundo. Este album fue grabado para la casa Impulse en el año 1964.

Dino Saluzzi

2009-09-25T19:44:00.002+02:00

Kuldrum es el título del primer trabajo, del sensacional bandoneonista argentino Dino Saluzzi. En este disco Saluzzi, aparece en solitario explorando las raices del tango y de la música de su niñez donde todo se entremezcla entre lo onírico y la vanguardia. Saluzzi en este disco no solo se conforma con exprimir toda la versatilidad del bandoneon,creando un disco que probablemente no guste a todos los que estén acostumbrados a los parámetros del tango clásico, asi pues este disco roza la vanguardia de una música nacida del corazón del genio, donde los recuerdos y la experimentación se entremezclan creando este primer y curioso album, el cual fue aclamado por la crítica en su momento. Saluzzi en este disco tararea y hasta toca la flauta. Un trabajo muy peculiar, el cual lanzó al estrellato a Dino Saluzzi. Un disco grabado en en año 1983 para la ECM. Actualmente se encuentra en una reedición lanzada por la ECM Touchstones en un formato en cartón a un precio verdaderamente asequible, así como otros cuarenta discos los cuales son el buque insignia de la casa germana, a lo largo de estos últimos cuarenta años.

Charlie Haden Ralph Towner Jerry Granelli & Robben Ford

2009-09-24T21:42:00.005+02:00

Un trabajo muy peculiar del maestro del contrabajo Charlie Haden. En este Helium Tears, abundan los ritmos cambiantes, los rápidos giros donde acecha desde la vanguardia mas jazzistica hasta el rock, pasando por el jazz mas melódico con temas como Julia's Child interpretados por la maravillosa voz de Jay Clayton. El disco es un giro al Haden mas vanguardista, pero sin perder los papeles,controlando en todo momento que las composiciones no se salgan de su estructura, y cercando con su contra todos los sensacionales acompañamientos. En este disco se tendría que destacar la poderosa intervención de la guitarra de Robben Ford, sin la cual este disco andaría cojo. A su vez Ralph Towner que nos tiene acostumbrados a su guitarra clásica o acústica en este album, interviene dando vida a un sintetizador el cual, crea unos espacios dentro del disco absolutamente sorprendentes. Julian Priester que nos tiene acostumbrados a sus escarceos con las música neoclásica en diferentes albums para la casa germana ECM, aparece también absolutamente irreconocible en cuanto al estilo,sabiendose amoldar perfectamente a las exigencias de Haden. Jerry Granelli, gran amigo de Haden desde las formaciones con la Liberation Orchestra, interviene en la composición de diferentes temas del disco, así como en su percusión. Creo que este disco es un buen album de jazz de vanguardias,distinto pero con el toque del siempre genial Charlie Haden. El album fue grabado para la New Edition Records, en la ciudad de Seattle en el año 1988 y remasterizado en el año 2006.

Yusef Lateef

2009-09-24T21:13:00.003+02:00

Un músico que siempre demostró una versatilidad enorme en los intrumentos de viento, y en este disco lo demuestra, tocando el saxo tenor,barítono,flauta y hasta un oboe. The Golden Flute es quizás uno de sus mas admirados trabajos donde el bebop que Lateef ofrece,va cargado de un aire fresco y divertido,donde los fraseos que salen generalmente de su saxo son rotundamente mágicos. Lateef siempre se mantuvo en el anonimato,siempre fuera de los circulos que estaban dirigidos por el siempre excéntrico Miles Davis. En este magnífico album, Lateef comienza con su saxo en con unos temas animados Road Runner y Straighten Up and Fly Right ,donde el saxo cuenta historias rápidas y donde los fraseos de Lateef, se convierten en parte principal del tema. Hasta llegar a Oasis donde Lateef, comienza este bonito tema con la flauta.Para aclarar algo sobre este disco, el tema I Don’t Stand a Ghost of a Chance With You es para mí una de las mas bellas confesiones que un músico puede hacer al mundo, con el me he emocionado así el siguiente tema Exactly Like You,así seguiría con todo el disco,el cual me parece redondo. Este album es una obra maestra de uno de los genios del jazz. A Lateef en esta maravillosa aventura le acompañan Hugh Lawson al piano,Herman Wright al contrabajo y Roy Brooks, Jr. a la batería. Un disco grabado el 15 de Junio de 1966 para la casa Impulse.

Michael Brecker

2009-09-24T20:04:00.004+02:00

Encontramos en Tales from the Hudson el cuarto album como líder del saxofonista,(tristemente desaparecido en el 2007) Michael Brecker. En este discazo de cargado de una fuerza arrolladora,encontramos en maravilloso mundo de Brecker en todo su auge,estampas rápidas de la ciudad del Hudson, en la que los fraseos de todos los músicos se hacen eco de las composiciones de Brecker hasta llevar a este disco a los altares del jazz. Brecker consiguió rodearse en este album de un elenco de numeros uno, como pueden ser las figuras de Pat Metheny a la guitarra,McCoy Tyner y Joey Calderazzo al piano,Dave Holland al contrabajo,Jack de Johnette a la batería y Don Alias como aparición invitada a las percusiones. El disco en un homenaje a la ciudad que le vió nacer, recorriendo sus calles y todas sus vistas,solo he encontrado lo que para mí es un defecto en un album de jazz, y es como finaliza el primer tema Slings and Arrows con un dimunuendo,pero para gustos los colores. El disco es una cuidadísima produccíon donde los standars como las impros estan a la altura de cada uno de los maestros. Siendo este probablemente uno de los mejores discos que dejó firmados el maestro Michael Brecker. El disco fue grabado para la casa Impulse en el año 1996, en la ciudad de Nueva York. Un album que merece la pena tener por casa.

Joshua Redman

2009-09-24T13:31:00.003+02:00

Freedom in the Groove que así se titula este magnífico album del saxofonista de Berkley,ya nos anticipa en que va a consistir este magnífico trabajo, puro movimiento,pura improvisación. En el primer tema Hide and Seek ya se advierten esos fraseos herederos de Sonny Rollins. El album es eso puro groove. A lo largo de todo el disco Redman nos adentra en su universo, sin perder soltura en la interpretación, ni espacio para la libertad tonal,donde pasamos de las improvisaciones mas jazzeras hasta bluses rotos,donde parece que el saxo de Redman va a soltar fuego por su campana,como por ejemplo en el tema When the Sun Comes Down o también en standars como Home Fries. El disco por entero es una maravilla del jazz de los años 90. A Redman le acompaña un cuarteto de auténtico lujo integrado por Peter Bernstein a la guitarra, Peter Martín al piano, Cristopher Thomas al bajo y Brian Blade a la batería. El disco fue grabado para la Warner en el año 1996.

Coleman Hawkins

2009-09-24T13:14:00.002+02:00

Una de esas grabaciones historicas del rey del saxo tenor,el maestro Coleman Hawkins. En este Wraped Tight en contramos el jazz mas clásico y puro, un bebop reposado y versatil donde Hawkins se lanza a la improvisación de una forma elegante y pausada temas animados como She's fit o la magnífica Wraped Tight nos muestran el lado mas animado de Hawkins donde hace unos fraseos dignos de su categoría, a su ves el contrabajo de Buddy Catlett se muestra versatil y potente. Uno de los temas que mas me pueden gustar del disco es el precioso tema Beautiful Girl donde Hawkins muestra una elegancia y una sutileza fuera de lo normal y la sensacional And I Still Love You. Este disco integra a una formación de autenticos genios del jazz, como Barry Harris al piano,Urbie Green al trombón,Bill Berry y Snooky Young a las trompetas y Eddie Locke a la batería. El disco es una pieza maestra del jazz,y la grabación es absolutamente sensacional,interviniendo en ella el prestigioso ingeniero Rudy Van Gelder. El album fue grabado para la casa Verve,entre marzo y febrero de 1965.

Gonzalo Rubalcaba

2009-09-23T19:36:00.003+02:00

Puede que sea Rubalcaba junto a los Valdés,uno de esos dioses del jazz cubano por antonomásia. Hablar de jazz latino o bien de jazz cubano,es hablar de estos músicos. Este disco Supernova grabado en el año 2001,va cargado de un jazz ágil y potente abundando en los fraseos,no solo de Rubalcaba sino que se lucen todos sus acompañantes, de mención especial y de medalla de oro el inmenso contrabajista Carlos Enriques,donde en este album demuestra una certeza y una técnica e improvisación pasmosa, asu vez el percusionista Ignacio Berroa esta absolutamente fantástico. El disco es una suma de una magnífica música cubana y de un jazz elegante y sobrio, destacando geniales temas como The Constitutional Cadet o el impactante primer tema Supernova,donde se debe de prestar atención al puente de Carlos Enriquez,absolutamente genial. A su vez el disco suena no solo a ritmos de la isla de Cuba,sino que se le suma ese acento tan característico de Rubalcaba,donde vemos esos marcados cambios de ritmo tan comunes en la marca de la casa. El disco creo que es absolutamente impecable,y creo que hará las delicias de todos los amantes del jazz latino y del jazz en general.Un buen disco de la casa Blue Note.

Dexter Gordon

2009-09-23T15:06:00.002+02:00

Uno de los discos de Dexter Gordon que mas me pueden gustar, cuando escucho el saxo de este genio de la música, rio,lloro, me emociono,viajo y resumen disfruto. Creo que cuando termino cada uno de los discos de Dexter Gordon, me siento igual que el maravilloso personaje de la película Round Midnight de Bertrand Tavernier(de la cual ya he hablado largo y tendido en este blog) interpretado por Francois Cluzet, pensado "esta música ha cambiado mi vida". Es curioso como en ocasiones una melodía puede cambiar la forma de ver las cosas,y para mí la música de Dexter Gordon es capaz de cambiar muchas cosas. Este disco es otra de esas joyas que ha dado el jazz, una obra maestra donde encontramos temas maravillosos del bop,como Broadway,Willow Weep for Me, o la magnífica Our Love is Here to Stay. Un disco que fue creado en el año 1962 y que sigue sonando magníficamente bien,el cual es quizás uno de mis discos de jazz favoritos hasta la fecha. Junto a Dexter Gordon,el maestro Bud Powell al piano,Pierre Michelot al contrabajo y Kenny Clarke a la batería. El disco fue grabado para la siempre magnífica Blue Note.